Em formação

Culturas da imagem e culturas da palavra


Revisão de Steven Weinberg de 2002 de Stephen Wolfram Um novo tipo de ciência contém o seguinte:

Nisso, Wolfram se alia a um lado na luta ancestral entre o que (com muita simplificação) se poderia chamar de culturas da imagem e culturas da palavra. Em nossa própria época, ela surgiu na competição entre a televisão e os jornais e entre as interfaces gráficas do usuário e as interfaces de linha de comando em sistemas operacionais de computador.

A cultura das imagens levou a melhor ultimamente. Por um tempo, a cultura da palavra parecia ter conquistado uma vitória com a introdução do som no cinema. No Sunset Boulevard, Norma Desmond lembra que nos filmes mudos, “Não precisávamos de diálogo. Tínhamos rostos. ” Mas agora os filmes podem durar longos períodos sem palavras, apenas o barulho de carros batendo um no outro e o chiar de sabres de luz. A ascensão da cultura da imagem foi estimulada por computadores e o estudo da complexidade, que tornaram possível a simulação de imagens visuais complexas.

Eu sou um crente irrestrito na importância da palavra, ou seu análogo matemático, a equação.

A frase crucial aqui é "com muita simplificação". Estou me perguntando qual poderia ser a tendência mais ampla que se manifesta na história das idéias a que Weinberg se refere: sua observação da "ascendência da cultura da imagem" parece bastante óbvia em nosso tempo, e pode-se conjeturar que a cultura do word havia conquistado uma vitória anterior com a invenção da imprensa, digamos. A dicotomia também parece estar relacionada a um contraste entre modos de pensamento e expressão exatos / mais intuitivos que às vezes é atribuído ao Ocidente / Oriente (ou modernismo / pós-modernismo, ou mesmo Wittgenstein I / II :).

Se a tendência foi observada (e nomeada) por historiadores de ideias, eles a descrevem como um vai e vem entre (generalizações adequadas de) as culturas da imagem e da palavra respectivamente ao longo dos tempos e culturas, ou é mais de uma ascendência uniforme da cultura das imagens, talvez facilitada pelo progresso da tecnologia e pelo factoide de que tudo poderia ter sido dito (mas não por todos) em certas áreas? Ou não existe uma tendência maior na história e essas são apenas palavras sentimentais de um indivíduo mais velho (e sábio) de um tipo que talvez seja constante através das gerações?


Acho que Weinberg está errado ao afirmar a luta entre a palavra e a imagem. Penso que este artigo de Atiyah pode ser informativo sobre a interação entre imagem e palavra. Aqui está uma citação relevante dele:

"Deixe-me tentar explicar minha própria visão da diferença entre geometria e álgebra. A geometria é, claro, sobre o espaço, disso não há dúvida. Se eu olhar para o público nesta sala, posso ver muito; em em um único segundo ou microssegundo, posso absorver uma vasta quantidade de informações, e isso, obviamente, não é um acidente.

Nossos cérebros foram construídos de tal maneira que estão extremamente preocupados com a visão. A visão, pelo que entendi de amigos que trabalham com neurofisiologia, consome algo em torno de 80 ou 90 por cento do córtex do cérebro. Existem cerca de 17 centros diferentes no cérebro, cada um dos quais é especializado em uma parte diferente do processo de visão: algumas partes estão relacionadas com a vertical, algumas partes com a horizontal, algumas partes com a cor ou perspectiva e, finalmente, algumas partes são preocupada com o significado e a interpretação. Compreender e dar sentido ao mundo que vemos é uma parte muito importante da nossa evolução. Portanto, a intuição espacial ou percepção espacial é uma ferramenta enormemente poderosa, e é por isso que a geometria é realmente uma parte tão poderosa da matemática - não apenas para coisas que são obviamente geométricas, mas mesmo para coisas que não são. Tentamos colocá-los em forma geométrica porque isso nos permite usar nossa intuição.

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A álgebra, por outro lado (e você pode não ter pensado nisso dessa forma), está relacionada essencialmente com o tempo. Qualquer que seja o tipo de álgebra que você esteja fazendo, uma sequência de operações é realizada uma após a outra e 'uma após a outra' significa que você precisa de tempo. Em um universo estático, você não pode imaginar álgebra, mas a geometria é essencialmente estática. Posso apenas sentar aqui e ver, e nada pode mudar, mas ainda posso ver. A álgebra, entretanto, está preocupada com o tempo, porque você tem operações que são realizadas sequencialmente e, quando digo 'álgebra', não me refiro apenas à álgebra moderna. Qualquer algoritmo, qualquer processo de cálculo, é uma sequência de etapas executadas uma após a outra; o computador moderno deixa isso bem claro. O computador moderno recebe suas informações em um fluxo de zeros e uns e dá a resposta.

A álgebra se preocupa com a manipulação do tempo e a geometria se preocupa com o espaço. Esses são dois aspectos ortogonais do mundo e representam dois pontos de vista diferentes na matemática. Assim, a discussão ou diálogo entre matemáticos do passado sobre a importância relativa da geometria e da álgebra representa algo muito, muito fundamental.

É claro que não vale a pena pensar nisso como uma discussão em que um lado perde e o outro ganha. Gosto de pensar nisso na forma de uma analogia: 'Você deveria ser apenas um algebrista ou geômetra?' é como dizer 'Você prefere ser surdo ou cego?' Se você é cego, não vê o espaço: se você é surdo, não ouve, e a audição acontece no tempo. No geral, preferimos ter as duas faculdades."

Eu gostaria de acrescentar à citação acima que, IMO, há uma certa interação entre a palavra (que é semelhante ao limite de tempo álgebra porque descreve o mundo como um seqüência de palavras), e o imagem (que é semelhante ao limite de espaço geometria por razões óbvias). Seguindo a analogia de Atiyah, tomar partido na alegada luta entre eles é como fazer uma escolha entre ser surdo e ser cego; a maioria das pessoas, como ele disse, "prefere ter as duas faculdades".


A cultura da imagem

Q uando o furacão Katrina atingiu a costa do Golfo do Mississippi, Alabama e Louisiana no final de agosto, as imagens da imensa devastação estavam imediatamente disponíveis para qualquer pessoa com um aparelho de televisão ou uma conexão com a Internet. Embora imagens de desastres naturais e provocados pelo homem tenham sido exibidas há muito tempo em jornais e na televisão, o número e a variedade de imagens após o Katrina revelam a sofisticação, velocidade e poder das imagens na cultura americana contemporânea. Fotografias de satélite do espaço nos ofereceram imagens em miniatura do antes e depois do centro de Nova Orleans e da costa danificada de Biloxi, imagens de uma série de agências de notícias rastreando as operações de resgate e gravando os pensamentos dos sobreviventes. telefones celulares habilitados para câmera ou câmeras digitais e postados em blogs pessoais, rastrearam o desastre e o pedágio de incontáveis ​​indivíduos. O mundo foi oferecido, em um espaço de tempo desprezível, tanto a visão de Deus quanto a visão do homem de uma região devastada. Em poucos dias, quando surgiram fotos da miséria no Superdome da Louisiana e fotos de cadáveres abandonados nas ruas do centro, enfrentamos nossa incapacidade de lidar com o caos, a destruição e o desespero imediatos que a tempestade havia causado. Essas imagens trouxeram brutalmente para casa a compreensão de como os EUA estavam despreparados para lidar com tal desastre.

Mas como essa saturação de imagens influenciou nossa compreensão do que aconteceu em Nova Orleans e em outros lugares? Como a velocidade com que as imagens foram disseminadas alterou a resposta humanitária e política ao desastre? E como, com o tempo, essas imagens influenciarão nossa memória cultural da devastação causada pelo furacão Katrina?

Essas perguntas poderiam ser feitas em relação a qualquer desastre contemporâneo & mdash e muitas vezes têm sido, especialmente após os ataques terroristas de setembro de 2001 em Nova York e Washington, D.C., que gravaram para sempre na memória pública a imagem das torres gêmeas em chamas. Mas a pessoa média vê dezenas de milhares de imagens no decorrer de um dia. Vemos imagens na televisão, em jornais e revistas, em sites e nas laterais dos ônibus. Imagens enfeitam latas de refrigerante, camisetas e outdoors. "Em nosso mundo, dormimos e comemos a imagem e oramos para ela e a usamos também", observou o romancista Don DeLillo. Os mecanismos de pesquisa da Internet podem obter imagens instantaneamente para praticamente qualquer palavra que você digitar. No flickr.com, um site de compartilhamento de fotos, você pode digitar uma palavra como & ldquolove & rdquo e encontrar fotos digitais amadoras de casais se abraçando ou pais abraçando seus filhos. Digite & ldquoterror & rdquo e entre os resultados está uma fotografia das torres do World Trade Center em chamas. & ldquoLembra-se de quando esta era uma imagem chocante? & rdquo pergunta a pessoa que postou a imagem.

A pergunta não é meramente retórica. Ele aponta para algo importante sobre as imagens em nossa cultura: elas, por seu número e facilidade de replicação, tornaram-se menos mágicas e menos chocantes - uma situação desconhecida até bem recentemente na história humana. Até o desenvolvimento da reprodução em massa, as imagens carregavam mais poder e evocavam mais medo. O segundo dos Dez Mandamentos listados em Êxodo 20 adverte contra idolatrar, ou mesmo fazer, imagens de escultura: & ldquoThou não farás para ti qualquer imagem de escultura, ou qualquer semelhança de qualquer coisa que está no céu acima, ou que está na terra abaixo , ou que está na água sob a terra. & rdquo Durante a Reforma Inglesa, o conselheiro de Henrique VIII, Thomas Cromwell, liderou o esforço para destruir imagens e ícones religiosos nas igrejas e mosteiros do país e teve sucesso o suficiente para que poucos sobrevivam até hoje. A decisão de 2001 do governo do Taleban no Afeganistão de destruir imagens em todo o país & mdash, incluindo as duas alturas de Buda esculpidas nos penhascos de Bamiyan & mdash, é apenas o exemplo mais recente desse impulso. Os líderes políticos há muito temem as imagens e tomam medidas extremas para controlá-las e manipulá-las. Os asseclas anônimos de manipuladores que higienizaram fotos a mando de Stalin (um homem que aparentemente nunca encontrou um inimigo que ele mesmo não matou e depois fez aerógrafo da história) são talvez o exemplo mais conhecido. O controle de imagens sempre foi uma preocupação dos poderosos.

É compreensível que tantos tenham tido tanto ciúme da influência da imagem e dos rsquos. A visão é o nosso sentido mais poderoso, muito mais dominante na tradução da experiência do que o paladar, o tato ou a audição. E as imagens apelam à emoção - muitas vezes de forma visceral. Eles chamam nossa atenção sem dizer uma palavra. Eles podem nos persuadir, repelir ou encantar. Eles podem ser absorvidos instantaneamente e facilmente por qualquer pessoa que possa ver. Eles parecem falar por si próprios.

Hoje, qualquer pessoa com uma câmera digital e um computador pessoal pode produzir e alterar uma imagem. Como resultado, o poder da imagem foi diluído em um sentido, mas fortalecido em outro. Ele foi diluído pela onipresença das imagens e pelas muitas tecnologias populistas (como câmeras baratas e software de edição de imagens) que dão a quase todos o poder de criar, distorcer e transmitir imagens. Mas tem sido fortalecido pela capitulação gradual da palavra impressa às imagens, particularmente imagens em movimento & mdash a cessão do texto à imagem, que pode ser comparada não a um candidato político derrotado cedendo ao seu oponente, mas a uma pessoa articulada sendo silenciada , forçado a se comunicar por meio de gestos e expressão, em vez de linguagem.

Os americanos adoram imagens. Amamos o poder democratizador das tecnologias & mdash, como câmeras digitais, câmeras de vídeo, Photoshop e PowerPoint & mdash, que nos dão a capacidade de criar e manipular imagens. O que estamos menos ansiosos para considerar são os efeitos culturais mais amplos de uma sociedade dedicada à imagem. Historiadores e antropólogos exploraram a história do movimento da humanidade de uma cultura de base oral para uma cultura escrita e, mais tarde, para uma cultura impressa. Mas foi apenas nas últimas décadas que começamos a assimilar os efeitos da mudança de uma cultura baseada na palavra impressa para outra baseada principalmente em imagens. Ao fazer imagens em vez de textos nosso guia, estamos abrindo novas perspectivas para a compreensão e expressão, criando uma forma de comunicação que é "melhor do que a impressão", como argumentou o professor de comunicação da Universidade de Nova York, Mitchell Stephens? Ou estamos apenas fazendo um retorno peculiar e indesejável às formas de comunicação uma vez ascendentes nas sociedades pré-alfabetizadas & mdash talvez criando um mundo de hieróglifos e ideogramas (embora tecnologicamente sofisticados) & mdash e no processo de se tornar, como o falecido Daniel Boorstin argumentou, devotado escravamente à imagem encantadora e superficial em detrimento das verdades mais profundas que só a palavra escrita pode transmitir?

Duas coisas em particular estão em jogo em nosso confronto contemporâneo com uma cultura baseada na imagem: primeiro, a tecnologia minou consideravelmente nossa capacidade de confiar no que vemos, mas não enfrentamos adequadamente os efeitos disso em nossas noções de verdade. Em segundo lugar, se de fato estamos passando da era da palavra impressa para uma era dominada pela imagem, que impacto isso terá na cultura, em termos gerais, e em suas instituições? Como serão a arte, a literatura e a música na era da imagem? E nós, na era da imagem, nos acostumaremos facilmente a coisas verossímeis em vez de verdadeiras, preferindo a aparência à realidade e, no processo, rejeitando as demandas de disciplina e paciência que as coisas verdadeiras muitas vezes exigem de nós, se quisermos compreender suas significado e descrevê-lo com precisão? Os custos potenciais de passar da palavra impressa para a imagem são imensos. Podemos nos encontrar em um mundo onde nossa capacidade de comunicação é prejudicada, nossa compreensão e aceitação do que vemos é questionável e nosso desejo de transmitir cultura de uma geração para a próxima seriamente comprometido.

O espelho com uma memória

O criador de uma das primeiras tecnologias da imagem nomeou sua invenção, de maneira bastante apropriada, para si mesmo. Louis-Jacques-Mand & eacute Daguerre, um francês conhecido por seu elaborado e caprichoso design de palco no teatro de Paris, começou a basear-se no trabalho de Joseph Nic & eacutephore Niepce para tentar produzir uma imagem fixa. Daguerre chamou a imagem que criou em 1837 de & ldquodaguerreotype & rdquo (adquirindo uma patente do governo francês para o processo em 1839). Ele fez reivindicações extravagantes para seu dispositivo. “Não é meramente um instrumento que serve para atrair a natureza”, escreveu ele em 1838, “que lhe dá o poder de se reproduzir”.

Apesar de sua crueza tecnológica e imagens frequentemente espectrais, o daguerreótipo foi assustadoramente eficaz em capturar lampejos de personalidade em seus retratos fixos. Os daguerreótipos existentes de americanos conhecidos no século XIX incluem: um jovem e sério Abraham Lincoln, sem barba, um afável Horace Greeley com chapéu de cano longo e uma foto sombria da sufragista Lucy Stone. Um daguerreótipo de Edgar Allen Poe, tirado em 1848, retrata o escritor com uma expressão maligna e braços cruzados, e foi tirado não muito antes de Poe ser encontrado delirando e quase morto nas ruas de Baltimore.

Mas o daguerreótipo fez mais do que capturar a postura de uma cidadania equilibrada. Também mudou as percepções dos artistas sobre a natureza humana. Nathaniel Hawthorne e romance gótico rsquos 1851, A casa dos sete frontões, tem uma moral antiga (& ldquothe o mal de uma geração vive nas sucessivas & rdquo), mas fez uso de uma tecnologia moderna, a daguerreotipagem, para revelar sua história sobre o desmascaramento do mal latente e inflamado. Na história, Holgrave, o estranho inquilino que mora na casa de empena, é um daguerreotipista (além de um político radical) que diz de sua arte: & ldquoEmbora lhe damos crédito apenas por retratar a mais simples superfície, ela realmente revela o segredo personagem com uma verdade em que nenhum pintor jamais se aventuraria, mesmo que pudesse detectá-la. & rdquo São os daguerreótipos prateados de Holgrave & rsquos que acabam por revelar os motivos nefastos do juiz Pyncheon & mdash e, ao fazê-lo, sugerem que a câmera poderia expor o caráter humano de forma mais aguda do que o olho .

Oliver Wendell Holmes chamou a foto de & ldquomirror com memória & rdquo e em 1859 previu que a & ldquoimage se tornaria mais importante do que o próprio objeto e de fato tornaria o objeto descartável. & Rdquo Mas os elogios à fotografia não eram universais. & ldquoUm Deus vingativo deu ouvidos às orações desta multidão. Daguerre era o seu Messias & rdquo, disse o poeta francês Charles Baudelaire em um ensaio escrito em 1859. & ldquoNossa sociedade esquálida correu, Narciso para um homem, para contemplar sua imagem trivial em um pedaço de metal. & Rdquo Como resultado, Baudelaire se preocupou, & ldquoartistic o gênio & rdquo estava sendo empobrecido.

As críticas contemporâneas da fotografia às vezes ecoam o medo de Baudelaire e rsquos. Em seu elegante ensaio extenso, Na fotografia, a falecida Susan Sontag argumenta que as imagens & mdash, particularmente as fotografias & mdash, carregam o risco de minar coisas verdadeiras e experiências genuínas, bem como o perigo de abalar nossa compreensão da arte. & ldquoSabendo muito sobre o que está no mundo (arte, catástrofe, as belezas da natureza) por meio de imagens fotográficas & rdquo Sontag observa & ldquo , é claro que atormentou o mundo da arte quando o processo de impressão permitiu a reprodução em massa de grandes obras de arte, e seus efeitos ainda podem ser vistos sempre que alguém ouve um freqüentador de museu expressar desapontamento com o fato de o Van Gogh que ele vê pendurado na parede não estar em lugar nenhum quase tão vibrante quanto aquele em sua caneca de café.

Mas o ponto de Sontag & rsquos é mais amplo e sugere que a fotografia nos forçou a considerar que a exposição às imagens não cria necessariamente a compreensão das coisas em si. As imagens não levam necessariamente a um significado a informação que transmitem nem sempre conduz ao conhecimento. Isso se deve em parte ao fato de que as imagens fotográficas devem ser constantemente atualizadas para que a atenção de alguém continue a ser atraída para elas. “As fotos chocam na medida em que mostram algo novo”, argumenta Sontag.& ldquoInfelizmente, a aposta continua aumentando & mdash em parte devido à própria proliferação de tais imagens de terror. & ldquo As imagens, conclui Sontag, transformaram o mundo & ldquo em uma loja de departamentos ou museu sem paredes & rdquo um lugar onde as pessoas & ldquob tornam-se clientes ou turistas de realidade. & rdquo

Outros críticos contemporâneos, como Roger Scruton, também lamentaram esse perigo diversivo e se preocuparam com nossa potencial dependência de imagens. "As imagens fotográficas, com sua capacidade de realização de fantasias, têm um caráter perturbador que requer controle magistral para não sair do controle", escreve Scruton. & ldquoAs pessoas criadas com base nessas imagens & # 8230 inevitavelmente precisam delas. & rdquo Marshall McLuhan, o guru da mídia dos anos 60, ofereceu talvez a metáfora mais direta e adequada para a fotografia: ele a chamou de & ldquothe bordel sem paredes. & rdquo Afinal, ele notado, as imagens de celebridades cujo comportamento rastreamos com tanta avidez & ldquoc podem ser compradas, abraçadas e manuseadas com mais facilidade do que prostitutas públicas & rdquo & mdash e tudo por um preço bastante reduzido.

No entanto, as fotografias ainda mantêm um pouco do fascínio mágico que os primeiros daguerreótipos inspiraram. Como W. J. T. Mitchell observa em O que as fotos querem?, & ldquoQuando os alunos zombam da ideia de uma relação mágica entre uma imagem e o que ela representa, peça-lhes que tirem uma fotografia de sua mãe e recortem os olhos. & rdquo Como objetos, nossas fotografias mudaram, elas se tornaram fisicamente mais frágeis. tornar-se mais sofisticado tecnologicamente. Daguerre produziu fotos em placas de cobre hoje, muitas de nossas fotos nunca se tornam coisas tangíveis, mas permanecem arquivadas em computadores e câmeras, parte do éter digital que envolve o mundo moderno. Ao mesmo tempo, nossa paciência para a criação de imagens também diminuiu. As crianças de hoje estão acostumadas a serem rastreadas desde o nascimento por câmeras digitais e gravadores de vídeo e esperam ver os resultados de suas poses e performances instantaneamente. & ldquoDeixe-me ver & rdquo, diz uma criança, quando você tira uma foto dela com uma câmera digital. E ela faz, imediatamente. O espaço entre a vida como ela está sendo vivida e a vida como está sendo exibida diminui para um mero segundo. No entanto, apesar desses desenvolvimentos técnicos, as fotos continuam poderosas porque são uma lembrança das pessoas e coisas com as quais nos importamos. Eles são substitutos carregados para a batalha por um soldado ou por um viajante em férias. Eles existem para nos lembrar dos ausentes, dos amados e dos mortos. Mas, na nova era da imagem digital, eles também têm um potencial maior para fomentar a falsidade e a trapaça, perpetuando ficções que parecem tão reais que não podemos dizer a diferença.

Comissários desaparecidos e presidentes sedentos de sangue

Sendo a natureza humana o que é, pouco tempo se passou após a invenção da fotografia e do surgimento de um meio para alterar e falsificar fotografias. Um fotógrafo alemão na década de 1840 descobriu uma maneira de retocar negativos, relata Susan Sontag, e, de forma perversa, senão imprevisível, & ldquothe a notícia de que a câmera poderia mentir tornou a fotografia muito mais popular. & Rdquo

Um dos mais bem-sucedidos manipuladores de massa da imagem fotográfica foi Stalin. Como David King relata em seu livro fascinante, O comissário desaparece: a falsificação de fotografias e arte em Stalin e Rússia, a manipulação de imagens foi a extensão da megalomania paranóica de Stalin & rsquos. "A erradicação física dos oponentes políticos de Stalin pelas mãos da polícia secreta foi rapidamente seguida por sua obliteração de todas as formas de existência pictórica", escreve King. Aerógrafo, tinta nanquim e bisturi foram todos organizados para remover inimigos como Trotsky das fotos. “Dificilmente há uma publicação do período stalinista que não carregue as cicatrizes desse vandalismo político”, conclui King.

Mesmo em sociedades não autoritárias, as primeiras falsificações de fotos eram comumente usadas para enganar as massas. Uma nova exposição no Metropolitan Museum of Art de Nova York, & ldquoThe Perfect Medium: Photography and the Occult & rdquo, exibe uma série de fotografias dos Estados Unidos e da Europa do final do século XIX e início do século XX que pretendem mostrar fantasmas, médiuns levitando e uma variedade heterogênea de outras emanações que foram proferidas como evidência do mundo espiritual por devotos do movimento espiritualista popular na época. As fotos, que incluem imagens de pequenas cabeças envoltas em fumaça e pairando sobre as sobrancelhas franzidas de médiuns e fantasmas em túnicas diáfanas andando pelos jardins, são & ldquoby torna-se assustador, bonito, perturbador e hilariante & rdquo observa o New York Times. Eles criam registros & ldquovisuais de décadas de fraudes, contras, flimflams e credulidade. & Rdquo

Stalin e os espiritualistas não foram os únicos a manipular imagens a serviço da reconstrução do passado & mdash muitos ex-amantes furiosos cortaram fotos de uma pessoa que já foi amada na esperança de que a retirada das imagens também pudesse eliminar as más lembranças da prompt de imagens. Mas foi a estreia de um programa de computador chamado Photoshop em 1990 que permitiu às massas, de maneira fácil e barata, começar a reescrever a história visual. O Photoshop e os muitos programas imitadores que o seguiram permitem que os usuários manipulem imagens digitais com grande facilidade & mdash redimensionamento, alteração de escala e falhas de aerografia, entre outras coisas & mdash e ambos foram denunciados por facilitar a morte do antiquado câmara escura e saudados como ferramentas democráticas para a liberdade de expressão. "É a consequência inevitável da democratização da tecnologia", disse John Knoll, o inventor do Photoshop, ao Salon.com. & ldquoVocê dá às pessoas uma ferramenta, mas pode & rsquot realmente controlar o que elas fazem com ela. & rdquo

Para algumas pessoas, é claro, oferecer o Photoshop como ferramenta é o mesmo que dar uma banana de dinamite a uma criança. Ano passado, A nação publicou um anúncio que usava o Photoshop para sobrepor a cabeça do presidente Bush à imagem de uma escultura brutal e perturbadora de Richard Serra (que por sua vez toma emprestado da pintura de Goya & rsquos & ldquoSaturn Devouring One of His Children & rdquo) de modo que Bush parecia estar devorando com entusiasmo um torso humano nu. Em contraste com a imagem repugnante, o texto que a acompanha parece afetado: www.pleasevote.com. Como essa e outras imagens sugerem, o Photoshop introduziu uma nova irresponsabilidade em nosso relacionamento com a imagem. Temos a tendência de perder o respeito pelas coisas que podemos manipular. E quando podemos tão prontamente manipular imagens & mdash até imagens de presidentes ou entes queridos & mdash, contribuímos para o declínio do respeito pelo que a imagem representa.

O Photoshop é popular não apenas porque nos permite acertar contas visualmente, mas também porque apela ao nosso desejo pelo incongruente (e obsceno). Os concursos do & ldquoPhotoshop & rdquo, como os encontrados no site Fark.com, oferecem às pessoas a oportunidade de criar imagens malucas e fantásticas que são julgadas por outras pessoas no ciberespaço. Este é um impulso anterior ao software e cujo fornecedor americano mais entusiasta foi, talvez, P. T. Barnum. No século XIX, Barnum latiu uma infame "mulher de quomermaid" que era na verdade a cabeça mofada de um macaco costurada no corpo de um peixe. Photoshop nos permite empregar pixels ao invés de taxidermia para realizar tais fantasias, mas a motivação para criá-los é a mesma & mdash eles são uma forma de realização de desejos e, às vezes, um veículo para reforçar nossos preconceitos existentes.

Claro, a intromissão do Photoshop não é a única tática disponível para produzir imagens enganosas. As revistas rotineiramente retocavam e retocavam fotos muito antes do software de edição de imagens ser inventado. E, claro, até mesmo fotos & ldquoauthentic & rdquo podem ser encenadas, como nos anos 1960 Vida fotos de revistas de Muhammad Ali que o mostravam treinando embaixo d'água, Ali não sabia nem mesmo nadar, e ele não tinha feito nenhum treinamento subaquático para suas lutas de boxe antes de entrar na piscina para a oportunidade de foto. Mais recentemente, em julho de 2005, o New York Times Magazine Ele ergueu as sobrancelhas quando não revelou que as fotos de Andres Serrano que acompanhavam uma reportagem de capa sobre o interrogatório de prisioneiros eram, na verdade, imagens encenadas, em vez de fotojornalismo direto. (Serrano já era famoso por sua polêmica fotografia de 1989, & ldquoPiss Christ. & Rdquo) O Vezes o editor público censurou a revista por violar as diretrizes do jornal de que “as imagens em nossas páginas que pretendem retratar a realidade devem ser genuínas em todos os sentidos”.

Mas, embora o Photoshop não tenha inventado a fraude de imagem, ele nos tornou todos praticantes em potencial. Ele permite que o usuário comum de computador se torne um brincalhão digital cuja folia com fotos pode criar mais do que imagens tolas - pode gerar controvérsia política e social. Em um artigo bem divulgado publicado no Salon.com em 2004, Farhad Manjoo explorou em profundidade uma dessas controvérsias: uma imagem que supostamente mostrava um reservista da Marinha americana no Iraque parado ao lado de dois meninos. Um menino segurava uma placa de papelão que dizia: & ldquoLcpl Boudreaux matou meu pai e depois engravidou minha irmã! & Rdquo Quando a imagem chegou ao Conselho de Relações Americano-Islâmicas (CAIR), relata Manjoo, pareceu provar o pior do grupo medos sobre o comportamento dos soldados americanos no Iraque. Um furioso comunicado de imprensa logo se seguiu. Mas então outra imagem apareceu em vários sites, idêntica à primeira, exceto pelo texto escrito na placa de papelão, que agora dizia: & ldquoLcpl Boudreaux salvou meu pai e resgatou minha irmã! & Rdquo A autenticidade de ambas as fotos nunca foi comprovada de forma satisfatória, e , como observa Manjoo, o episódio serve como um lembrete de que no mundo atual do Photoshop, as imagens são infinitamente flexíveis. & rdquo (Curiosamente, o CAIR se viu no centro de um escândalo recente do Photoshop, o Padrão Semanal relatado, quando foi mostrado que a organização havia feito um Photoshop hijab, ou lenço na cabeça, em várias mulheres em uma foto tirada em um evento do CAIR e depois postou a imagem adulterada no site da organização & rsquos.)

Assim como as campanhas políticas no passado produziam panfletos e slogans injuriosos, hoje o Photoshop ajuda a produzir imagens enganosas. A campanha de Bush-Cheney foi criticada por usar uma imagem photoshopada de uma multidão de soldados na recente eleição presidencial - a foto duplicou grupos de soldados para fazer a multidão parecer maior do que realmente era. Os rostos replicados dos soldados lembraram uma cena de multidão montada anterior e mais tosca, "Stalin e as massas", produzida em 1930, que pretendia mostrar o ditador carrancudo, de sobretudo e boné, diante de uma multidão de comunistas leais. (Outras campanhas políticas & mdash e departamentos de publicidade da universidade & mdash também recorreram ao uso do Photoshop em fotos para torná-las mais diversificadas racialmente.) Da mesma forma, uma imagem dos anos setenta de Jane Fonda se dirigindo a uma multidão anti-guerra com um jovem e entusiasmado John Kerry olhando também foi criado com a feitiçaria do Photoshop, mas circulou amplamente na Internet durante a última eleição presidencial como evidência das visões extremas de Kerry. A imagem adulterada enganou vários meios de comunicação antes de sua procedência questionável ser revelada. (Outra imagem de Kerry e Fonda, mostrando os dois sentados na platéia em um comício anti-guerra em 1970, era autêntica.)

O Photoshop, na verdade, democratiza a capacidade de cometer fraudes. Como resultado, alguns programadores de computador estão criando novas técnicas de detecção digital para descobrir falsificações e manipulações. O inspetor Javert de fraude digital é o professor de ciência da computação de Dartmouth, Hany Farid, que desenvolveu um programa de software que analisa o padrão de pixels em imagens digitais. Uma vez que todas as imagens digitais são, em essência, uma coleção de códigos, o programa Farid & rsquos descobre "padrões anormais de informação que, embora invisíveis a olho nu, são detectáveis ​​pelo computador & rdquo e que representam possível adulteração, de acordo com o New York Times. “Costumava ser que você tinha uma fotografia, e foi o fim dela”, essa era a verdade ”, disse Farid em julho passado. & ldquoNós estamos tentando trazer um pouco disso de volta. Para colocar alguma garantia de volta na fotografia. & Rdquo

Mas a manipulação digital de imagens também pode ser empregada para propósitos muito mais esclarecidos do que remover manchas de modelos e atacar oponentes políticos. Alguns artistas usam o Photoshop apenas para aprimorar as fotos tiradas, outros fizeram da edição digital uma parte central de sua arte. As imagens expansivas do fotógrafo alemão Andreas Gursky, cujas fotos de Montparnasse, da Bolsa de Valores de Tóquio e de uma loja de 99 centavos de dólar usam alterações digitais, nos levam a olhar para espaços familiares de maneiras desconhecidas. Os retratos tirados e Photoshoped pela artista Loretta Lux são & ldquomesmerizing imagens de crianças que parecem presas entre os séculos XIX e XXI, que não existem exceto no reino mágico da arte, & rdquo de acordo com um Nova york Vezes crítico. Aqui a manipulação da imagem não se intromete. Ele ilumina. Nessas fotos, a manipulação da imagem pelo menos serve a uma visão artística autêntica, uma visão que se baseia em padrões estéticos e críticos genuínos. Ironicamente, são exatamente esses padrões que uma cultura dedicada à imagem corre o risco de comprometer.

O Efeito MTV

As imagens estáticas da daguerreotipagem e da fotografia estabeleceram as bases para a imagem em movimento no filme e no vídeo, assim como a fotografia fez antes deles, essas tecnologias geraram admiração e afirmações abrangentes sobre os méritos dessa nova maneira de ver. Em 1915, após uma exibição do cineasta D. W. Griffith & rsquos O Nascimento de uma Nação, Woodrow Wilson declarou que era & ldquolike escrever a história com um raio & rdquo (um julgamento que Griffith prontamente começou a usar em seus esforços promocionais para o filme). Imagens em movimento são tão poderosas quanto fotos, se não mais. Como as fotografias, elas apelam à emoção e podem ser lidas de maneiras concorrentes. No entanto, as imagens em movimento mudam tão rapidamente e com tanta frequência que prendem nossa atenção e aumentam a capacidade do cérebro de absorver o que estamos vendo. Eles estão se tornando uma presença onipresente na vida pública e privada & mdash tanto que Camille Paglia, uma crítica astuta de imagens, chamou nosso mundo de paisagem estelar de mídia ldquoa de imagens explosivas, mas evanescentes. & Rdquo

A imagem em movimento, como a fotografia, também pode ser organizada para provar ou refutar afirmações concorrentes. Durante o debate jurídico e político em torno do caso de Terri Schiavo, por exemplo, o videoteipe de seus movimentos e a aparente receptividade aos entes queridos tornou-se central neste drama de disputa familiar que se transformou em nacional. Aqueles que argumentaram por manter Schiavo viva usaram a filmagem como evidência de que ela realmente tinha sentimentos e pensamentos que tornaram bárbaras e imorais as tentativas de remover seu tubo de alimentação. Aqueles que acreditavam que ela deveria ser deixada para morrer (incluindo o marido) consideraram a fita "terrivelmente enganosa" porque representava um retrato enganoso da condição real de Schiavo. Na maioria das vezes, seu marido e outros argumentaram, Terri não demonstrava consciência de que era "móvel, sem expressão". No caso Schiavo, a imagem em movimento era tanto o álibi quanto o acusador.

A maioria dos americanos consome imagens em movimento por meio da mídia da televisão e do cinema (e, em menor grau, da Internet e dos videogames). Nos últimos anos, naquilo que muitos observadores chamaram de & ldquothe efeito MTV & rdquo, essas imagens em movimento tornaram-se mais ágeis e menos exigentes de nossa atenção. Pulando rapidamente de imagem em imagem em segmentos editados apressadamente (em alguns casos tão rapidamente quanto uma imagem a cada trinta avos de segundo), a televisão e, em menor medida, os filmes nos oferecem um fluxo constante de atrativos visuais. O ex-vice-presidente Al Gore & rsquos, novo canal de televisão de acesso público com fins lucrativos, Current TV, é a expressão mais recente dessa tendência. O site da rede & rsquos lista sua próxima programação em pequenos incrementos de tempo: & ldquoIn 1 min, & rdquo & ldquoIn 3 min, & rdquo & ldquoIn 10 min & rdquo e assim por diante. Analisando o canal e rsquos nas primeiras transmissões, New York Times a crítica de televisão Alessandra Stanley observou as muitas técnicas & ldquodesignadas para manter curtos períodos de atenção & rdquo, incluindo uma & ld barra de progresso & rdquo na parte inferior da tela que faz a contagem regressiva de quanto tempo resta para cada um dos segmentos & mdash alguns dos quais duram apenas 15 segundos.

De acordo com os entusiastas da televisão, a velocidade e sofisticação das imagens em movimento permitem novas e aprimoradas formas de narrativa oral que podem e devem substituir veículos mais obsoletos como o romance. Steven Johnson, apologista de videogame e televisão, autor de Tudo de ruim é bom para você, sonhos de um mundo de casos & ldquoDVD enfileirados nas prateleiras da sala de estar como tantos romances de três andares. & rdquo Se a televisão é nossa nova forma de narrativa, então nossas habilidades de contar histórias declinaram, como qualquer um que assistiu à nova série de sitcoms e dramas que estreia (e depois desaparece rapidamente) a cada outono nas grandes redes pode atestar. (Mostra como Os Sopranos são talvez a rara exceção.) Na verdade, a televisão não inclui realmente histórias & ldquotell. & rdquo Ela constrói mundos de fantasia por meio de uma combinação de imagens e palavras, confiando mais em nossos sentidos visuais e auditivos e deixando menos para a imaginação do que a narrativa oral. Escrevendo alguns anos atrás no jornal Valores de mídia e amp, J. Francis Davis observou que embora a televisão seja, em certo sentido, uma forma de contar histórias, as mensagens mais importantes que emanam da tela & ldquo são aquelas não verbalizadas & mdash as histórias e mitos ocultos em seu fluxo constante de imagens. & Rdquo

São precisamente essas histórias ocultas na imagem em movimento que entusiasmam críticos como o professor Mitchell Stephens da NYU. No A ascensão da imagem, a queda da palavra, Stephens argumenta que a imagem em movimento oferece uma cura potencial para a & ldquocrisis do espírito & rdquo que aflige nossa sociedade, e ele está entusiasmado com o fato de que & ldquothe imagem está substituindo a palavra como o meio predominante de transporte mental. & Rdquo Stephens prevê um futuro de aprendendo por meio da sinédoque, usando imagens vívidas e condensadas: & ldquoUm meio segundo do Capitólio pode ser suficiente para indicar o governo federal, uma foto rápida de uma mulher de cabelos brancos pode representar a idade.Em outras palavras, a parte será substituída pelo todo para que em um determinado período de tempo seja possível considerar um número maior de todos. & Rdquo Ele cita com aprovação a previsão do diretor de cinema Ridley Scott, que declara: & ldquoFilm é teatro do século XX, e ele se tornará a escrita do século XXI. & rdquo

Talvez sim. Mas Stephens, como outros promotores da imagem, não reconhece o que perderemos e também ganharemos se essa revolução for bem-sucedida. Ele diz, por exemplo, "nossos descendentes sem dúvida ainda aprenderão a ler e escrever, mas sem dúvida lerão e escreverão com menos frequência e, portanto, menos bem. & Rdquo A linguagem também será & ldquo menos precisa, menos sutil & rdquo e livros & ldquowill manter um público pequeno e de elite. & rdquo Este, então, é o futuro que estimula a celebração: um mundo onde, após um século de esforço para tornar a alfabetização o mais amplamente acessível possível & mdash para torná-la uma ferramenta para as massas & mdash a capacidade de ler e a escrita é mais uma vez devolvida à elite. Ler e escrever tornam-se o que eram antes da educação generalizada & mdash uma marca de privilégio & mdash ou então preocupações com antiquários ou meros hobbies, como colecionar moedas.

Stephens também presume que as pessoas que irão absorver essas imagens terão um estoque de conhecimento à sua disposição para interpretá-las. Uma foto rápida de uma mulher de cabelos brancos pode ser efetivamente absorvida como simbolizando & ldquoage & rdquo para uma pessoa, como diz Stephens, mas também pode levar idéias como & ldquohair dye & rdquo & ldquofeebleness & rdquo ou & ldquoSocial Security & rdquo para outra. Como Camille Paglia observa de seus próprios alunos, & ldquoyoung hoje é inundado com imagens desconexas, mas carece de um instrumento simpático para analisá-los, bem como um quadro de referência histórico no qual situá-los. & Rdquo Eles carecem, em outras palavras, uma linguagem compartilhada ou léxico que lhes permitiria interpretar imagens e então comunicar uma compreensão do que estão vendo.

Esse déficit representará um desafio único para a transmissão cultural de uma geração para a outra. Como, no futuro mundo da imagem em movimento de Stephens & rsquos, a história, a literatura e a arte serão passadas para a próxima geração? Ele pode imaginar salas de aula em que as crianças assistam ao History Channel em vez de ler livros maçantes. Mas não importa o quanto se possa desfrutar da versão televisiva da BBC & rsquos Orgulho e Preconceito, não é um substituto para a leitura da prosa de Austen & rsquos, nem é um documentário sobre a Convenção Constitucional Americana tão eficaz em destilar os ideais políticos da antiga república americana quanto a leitura The Federalist Papers. As imagens em movimento são uma ajuda valiosa para o aprendizado e a compreensão, mas sua vitória como o melhor meio de formar hábitos mentais rigorosos não está de forma alguma garantida.

Além disso, Stephens aceita acriticamente a alegação de que os & ldquoolds dias & rdquo da cultura escrita e impressa se foram (ou quase isso) e assume que o vídeo é a linguagem que surgiu, como algumas espécies evoluindo através de um processo de seleção natural, para tomar seu lugar na cultura. Ele não considera a possibilidade de que a razão pela qual a imagem em movimento está substituindo a palavra escrita não seja porque ela é, de fato, uma forma superior de comunicação de ideias, mas porque a imagem em movimento & mdash mais do que a palavra escrita & mdash grosseiramente, mas satisfaz de forma inebriante nosso desejo de estímulo e gratificação imediata.

Como qualquer bom entusiasta da tecnologia, Stephens faz as escolhas que fizemos em massa como cultura (como assistir televisão em vez de ler), aceita-os sem desafio e, então, declara-os inevitáveis. Esta é uma forma de raciocínio que os entusiastas da tecnologia frequentemente empregam quando tentam envolver as preocupações dos céticos. Embora retoricamente útil no curto prazo, essa estratégia evita as questões reais: as coisas tinham que acontecer desta maneira em vez de daquela maneira? Cada tendência cultural torna uma cultura genuinamente melhor? Por deixar de fazer essas perguntas, o entusiasta torna-se quase panglossiano em seus hinos ao novo mundo.

Há, é claro, uma longa e completa literatura crítica da televisão e da imagem em movimento, mais notavelmente a obra de Neil Postman, Jerry Mander e Marie Winn. E, como acontece com a fotografia, desde seus primeiros dias houve quem se preocupasse com a possibilidade de a televisão minar nosso apreço pelas coisas verdadeiras. & ldquoA televisão depende da teoria questionável de que tudo o que acontece em qualquer lugar deve ser sentido em todos os lugares & rdquo E. B. White escreveu em O Nova-iorquino em 1948. & ldquoSe todos forem capazes de ver tudo, a longo prazo todas as vistas podem perder o valor de raridade que outrora possuíam, e pode muito bem acontecer que as pessoas, sendo capazes de ver e ouvir praticamente tudo, sejam especialmente interessado em quase nada. & rdquo Outros são ainda mais diretos. Como escreve Roger Scruton, & ldquoObservando os produtos da cultura do vídeo, você entende por que os gregos insistiam que os atores usassem máscaras e que toda a violência acontecesse nos bastidores. & Rdquo É possível, em outras palavras, ver demais, e ao ver, perdemos a noção do que é real. A televisão é o veículo perfeito para essa experiência, pois nos bombardeia com imagens chocantes, estimulantes e agradáveis, ao mesmo tempo que nos mantém afastados do que estamos vendo.

Mas o poder que a imagem em movimento agora exerce sobre a vida americana moderna cresceu consideravelmente nos últimos anos. É como se a tela de televisão Jumbotron que paira sobre a Times Square em Nova York se reproduzisse e se instalasse permanentemente no espaço público. Telas grandes transmitindo qualquer número de imagens e anúncios podem ser encontradas na maioria das arenas esportivas, restaurantes e shopping centers; elas até aparecem em um número crescente de igrejas maiores. O dentista e o consultório médico não são mais refúgios seguros de uma enxurrada de imagens e sons. Uma caminhada por um terminal de aeroporto é agora um desafio de imagens em movimento, enquanto televisores aparafusados ​​em tetos ou paredes emitem segmentos vazios da CNN & rsquos dedicada à & ldquoNBC programação portuária & rdquo uma vez a bordo de um avião, recebemos exibições ininterruptas de filmes e opções de TV como & ldquoNBC In Flight. & rdquo A onipresença dos aparelhos de televisão no espaço público é freqüentemente explicada como uma tentativa de entreter e distrair, mas na verdade parece mais bem-sucedida no aborrecimento ou na anestesia. Para as pessoas que desejam viajar, comer ou orar em silêncio, há poucas opções além do dispositivo deliciosamente subversivo & ldquoTV-B-Gone & rdquo, um controle remoto universal do tamanho de um chaveiro que permite aos usuários desligar a televisão em locais públicos. Considerando o número de televisores atualmente em uso, no entanto, seria necessário um exército de usuários de TV-B-Gone para restaurar a paz e a tranquilidade no espaço público.

Um dos desenvolvimentos mais surpreendentes dos últimos anos é a interjeição de imagens em movimento e rsquos na clássica sala de concertos. Em 2004, a Filarmônica de Nova York experimentou uma tela de 15 por 20 pés que projetava enormes imagens dos músicos e do maestro para o público durante as apresentações de Wagner e Brahms. O administrador da orquestra que encorajou o projeto foi franco sobre sua motivação: & ldquoQueremos aumentar a participação nos shows, mudar a demografia & rdquo, ele disse ao New York Times. & ldquoE a geração mais jovem é mais responsiva a estímulos visuais. & rdquo Um consultor da indústria de música clássica concordou com o sentimento. “Precisamos reconhecer que esta é uma geração visual”, disse ele. & ldquoEles estão acostumados a ver as coisas mais do que a ouvir. & rdquo Sinfonias em Vancouver, San Diego, Omaha, Atlanta e Filadélfia tentaram usar imagens em movimento durante os concertos, e algumas orquestras estão recorrendo a artifícios como a projeção de obras de arte durante apresentações de Mussorgsky & rsquos & ldquoPictures em uma exposição & rdquo ou transmissão de imagens do espaço durante Holst & rsquos & ldquo Os planetas. & rdquo

Entre os menos satisfeitos com o triunfo da imagem em movimento na sala de concertos estão os próprios músicos, que infelizmente estão sendo transformados em estrelas do vídeo. "Achei muito perturbador", disse um violinista da Filarmônica de Nova York. "As pessoas podem muito bem ficar em casa com suas TVs de tela grande", disse outro com resignação. & ldquoIt & rsquos seguindo a rota da MTV, e eu não tenho certeza se é o caminho a seguir & rdquo. O que esses músicos estão expressando é uma preocupação com o eclipse de sua música, que muitas vezes requer disciplina e concentração para ser apreciada, por meio de imagens. As imagens, passando por uma grande tela acima de suas cabeças, exigem muito menos do público e atenção ativa do que as complicadas notas e acordes, ritmos e padrões, vindos de seus instrumentos. A capitulação da sala de concertos à imagem em movimento sugere que, em uma cultura baseada na imagem, a arte só terá valor na medida em que possa ser comercializada como entretenimento. A imagem em movimento redefine todas as outras formas de expressão em sua imagem, muitas vezes nos deixando empobrecidos no processo.

Brain Candy

A preocupação com os efeitos de longo prazo de ser saturado por imagens em movimento não é apenas a expressão de uma angústia quase ludita ou de conservadorismo cultural. Tem como base o que as neurociências estão nos ensinando sobre o cérebro e como ele processa as imagens. As imagens podem ter um impacto fisiológico profundo em quem as visualiza. O Dr. Steven Most, um pós-doutorado na Universidade de Yale, descobriu recentemente que as imagens gráficas podem nos "desqualificar" ao prejudicar brevemente o cérebro, muitas vezes por até um quinto de segundo. Como seu colega pesquisador explicou a Discovery News: & ldquoMecanismos de cérebro que nos ajudam a atender às coisas ficam presos pela imagem provocativa, incapazes de nos orientar a outros estímulos. & rdquo

Outro estudo realizado por pesquisadores do Center for Cognitive Science da Ohio State University descobriu que, para crianças pequenas, o som era na verdade mais fascinante do que as imagens - de maneira esmagadora, em alguns casos. Os resultados da pesquisa, que foram publicados em Desenvolvimento infantil, mostraram que “crianças parecem ser capazes de processar apenas um tipo de estímulo por vez” e que “para bebês, os sons são preferidos quase exclusivamente”, uma preferência que continua até pelo menos quatro anos de idade. No livro deles Imaginação e Brincadeira na Era EletrônicaDorothy e Jerome Singer argumentam que a mídia eletrônica da televisão, do cinema e dos videogames agora pode contribuir para o desenvolvimento infantil de uma consciência autônoma contínua, mas com restrições particulares. Olhar e ouvir sozinho, sem outros incentivos sensoriais, & rdquo eles escrevem, & ldquoc podem ser guias enganosos para a ação. & Rdquo

A pesquisa sobre a função da região do córtex visual primário do cérebro sugere que não é alarmista presumir que a estimulação visual constante do tipo transmitido pela televisão pode ter efeitos profundos no cérebro das crianças, cuja função neurológica continua a se desenvolver durante a infância e adolescência. Um estudo conduzido na Universidade de Rochester e publicado na revista Natureza em 2004, envolveu, por incrível que pareça, rastrear os padrões de processamento visual de furões que foram forçados a assistir ao filme O Matrix. Os pesquisadores descobriram algumas coisas surpreendentes: os ferrets adultos & ldquo tinham padrões neurais em seu córtex visual que se correlacionavam muito bem com as imagens que eles visualizaram & rdquo de acordo com um resumo da pesquisa & ldquobut que a correlação não existia em ferrets muito jovens, sugerindo que A base da compreensão da visão pode ser uma tarefa muito diferente para cérebros jovens e cérebros velhos. & rdquo Os furões mais jovens estavam & ldquotando e processando estímulos visuais & rdquo assim como os furões adultos, mas eles estavam & ldquonot processando os estímulos de uma forma que reflita a realidade. & rdquo

Esses tipos de descobertas geraram alertas sobre o impacto negativo de longo prazo das imagens em movimento nas mentes dos jovens. Um estudo publicado em 2004 na revista Pediatria, por exemplo, encontraram uma ligação clara entre assistir televisão no início e problemas posteriores, como transtorno de déficit de atenção / hiperatividade, e pesquisas recentes sugeriram efeitos preocupantes de curto prazo no comportamento de jovens jogadores de videogames violentos. Resumindo: Imagens em movimento & mdash onipresentes em residências e espaços públicos & mdash representam desafios para o desenvolvimento saudável quando se tornam o objeto principal da atenção das crianças. Inculcar os jovens na cultura da imagem pode ser ruim para seus cérebros.

O fechamento da mente do PowerPoint

Uma cultura que cria seus filhos com o leite da imagem em movimento não deveria se surpreender quando eles se mostrassem relutantes em se afastar dela quando adultos. Em nenhum lugar a evidência disso é mais aparente do que no mundo dos negócios, que se apaixonou e obedeceu a uma determinada tecnologia de imagem: o programa de software de computador PowerPoint.

PowerPoint, um programa incluído no popular pacote de software & ldquoMicrosoft Office & rdquo, permite aos usuários criar apresentações visuais usando modelos de slides e gráficos que podem ser projetados de um computador em uma tela maior para o benefício do público. A adição de um & ldquoAutoContent Wizard & rdquo, que é menos um mágico do que um duenna eletrônico, auxilia o usuário através de uma série de modelos existentes, sugerindo marcadores, resumos e imagens. Sua facilidade de uso tornou o PowerPoint uma presença confiável e onipresente em reuniões de conselho e conferências em todo o mundo.

Nos últimos anos, no entanto, o alcance do PowerPoint e rsquos se estendeu além do escritório de negócios. As pessoas usaram slides do PowerPoint em suas recepções de casamento para descrever seu namoro como uma série de pontos de & ldquoprioridade & rdquo e imagens. Crianças do ensino fundamental estão usando o software para criar relatórios de livros e apresentações de aulas cheias de marcadores. Como uma história de 2001 no Nova york Vezes relataram que & ldquo69 por cento dos professores que usam software Microsoft usam PowerPoint em suas salas de aula. & rdquo

Apesar de seu uso generalizado, o PowerPoint gerou críticas quase desde o início e tem sido chamado de tudo, desde um desastre até um vírus. Alguns afirmam que o programa auxilia no sofisma. Como disse um cientista-chefe da Sun Microsystems: & ldquoEle oferece um brilho persuasivo de autenticidade que pode encobrir uma completa falta de honestidade. & Rdquo Outros argumentaram que isso amortece a discussão e permite que apresentadores com pouco a dizer encobram sua ignorância com flashes constantes imagens e marcadores. A frustração com o PowerPoint cresceu tanto que, em 2003, o Nova iorquino publicou um cartoon que ilustrava uma típica entrevista de emprego no inferno. Nele, o diabo pergunta ao candidato: & ldquoPreciso de alguém bem versado na arte da tortura & mdash você conhece o PowerPoint? & Rdquo

Pessoas submetidas incessantemente a apresentações em PowerPoint reclamam de seu efeito estranhamente assustador sobre o pensamento e a discussão e a maneira como os slides em constante mudança distraem facilmente a atenção do conteúdo de uma apresentação de palestrante. Essas preocupações levaram Scott McNealy, presidente da Sun Microsystems, a proibir seus funcionários de usar o PowerPoint no final da década de 1990. Mas foi a exegese da mentalidade do PowerPoint publicada pelo professor emérito de Yale, Edward Tufte, em 2003, que continua sendo o desafio mais completo para essa tecnologia de imagens pesadas e analiticamente fraca. Em um pequeno panfleto intitulado O estilo cognitivo do PowerPoint, Tufte argumentou que o PowerPoint & rsquos estonteante matriz de modelos e slides & ldquoweak o raciocínio verbal e espacial e quase sempre corrompe a análise estatística. & Rdquo Porque o PowerPoint é & ​​ldquopresenter-oriented & rdquo em vez de conteúdo ou público, Tufte escreveu, ele promove um & ldquocognitive style & rdquoor de evidência e pensamento, baixo raciocínio espacial & # 8230 sequenciamento temporal rápido de informações finas & # 8230 decoração conspícua & # 8230 uma preocupação com o formato, não com o conteúdo, [e] uma atitude de comercialismo que transforma tudo em um argumento de venda. & rdquo PowerPoint, Tufte concluiu, é & ldquofaux-analítico. & Rdquo

A crítica de Tufte & rsquos ao PowerPoint fez uso de um exemplo trágico, mas eficaz: o ônibus espacial Columbia desastre. Quando os engenheiros da NASA avaliaram a segurança do ônibus espacial, que havia alcançado a órbita, mas enfrentava riscos na reentrada devido aos ladrilhos que haviam sido danificados por espuma solta durante o lançamento, eles usaram slides de PowerPoint para ilustrar seu raciocínio & mdash uma decisão infeliz que levou a uma técnica muito pobre comunicação. O Columbia Accident Investigation Board mais tarde citou & ldquothe uso endêmico de slides de instruções do PowerPoint em vez de documentos técnicos como uma ilustração dos métodos problemáticos de comunicação técnica na NASA. & Rdquo Em vez de simplesmente uma ferramenta que ajuda o pensamento, o PowerPoint muda a maneira como pensamos, forçando-nos para nos expressarmos em termos de suas próprias funcionalidades e protocolos. Como resultado, apenas o que pode ser dito usando o PowerPoint vale a pena ser dito.

Pseudo-eventos e pseudo-cultura

Embora o PowerPoint ainda não tivesse sido criado quando ele publicou seu livro, A imagem, em 1961, o historiador Daniel Boorstin foi, entretanto, presciente em suas advertências sobre os perigos de uma cultura que confiava à imagem sua tomada de decisão racional. Ao elevar a imagem à substância e a forma ao conteúdo, Boorstin argumentou que a sociedade corria o risco de substituir a vida real por & ldquopseudoeventos & rdquo e a virtude real por formação de imagem pessoal. (Ele descreveu em detalhes novos esforços para criar imagens públicas para os famosos e não tão famosos, um processo bem ilustrado por um comercial da Canon Camera de vários anos atrás, que apresentava o astro do tênis Andre Agassi declarando despreocupadamente: & ldquoImage é tudo. & Rdquo)

& ldquoOs pseudoeventos que inundam nossa consciência não são nem verdadeiros nem falsos nos velhos sentidos familiares & rdquo Boorstin escreveu, mas eles criaram um mundo & ldquem a fantasia é mais real do que a realidade, onde a imagem tem mais dignidade do que seu original. & rdquo O resultado era uma cultura de heróis quossintéticos, atrações turísticas pré-fabricadas [e] formas intercambiáveis ​​e homogeneizadas de arte e literatura. ”As imagens eram extremamente populares, admitia Boorstin, mas eram, na verdade, pouco diferentes das ilusões. “Corremos o risco de ser as primeiras pessoas na história a serem capazes de tornar suas ilusões tão vívidas, tão persuasivas, tão & lsquorrealistas & rsquo que possam viver nelas”, escreveu ele.

Outros críticos seguiram Boorstin. No O desaparecimento da infância, Neil Postman escreveu sobre como as & ldquoeletrônicas e revoluções gráficas & rdquo lançaram um & ldordenado, mas poderoso, assalto à linguagem e à alfabetização, uma reformulação do mundo das ideias em ícones e imagens à velocidade da luz. & Rdquo Imagens, Postman preocupado, & ldquo; , não pensar. & rdquo O crítico francês Roland Barthes preocupou-se com que & ldquothe imagem não ilustra as palavras são agora as palavras que, estruturalmente, são parasitas da imagem. & rdquo Em uma iteração mais recente da mesma ideia, o crítico de tecnologia Paul Virilio identificou uma & ldquogalta ameaça à palavra & rdquo no & ldquo poder evocativo da tela. & rdquo & ldquoIt é tempo real que ameaça a escrita, & rdquo observou, & ldquoonce a imagem ao vivo, há um conflito entre o tempo adiado e o tempo real, e nisso há uma séria ameaça à escrita e ao autor. & rdquo

Eventos reais são agora comparados aos de personagens de sitcom - tragédias ou acidentes reais são descritos como sendo & ldquojust como um filme & rdquo (uma prática que Susan Sontag notou pela primeira vez na década de 1970). Até a imaginação é freqüentemente prejudicada por nossa cultura baseada na imagem. Para cada artista criativo (como Gursky) que usa o Photoshop, há uma infinidade de posturas e artistas superficiais como Damien Hirst, que certa vez disse com orgulho a um entrevistador que passou mais tempo assistindo TV do que nunca nas galerias.

É possível encontrar um equilíbrio entre o techno-entusiasmo ingênuo pela cultura da imagem e o & ldquospirit of bulldog opacity, & rdquo como McLuhan o descreveu, o que alimentou um ceticismo indevido sobre as novas tecnologias no passado? Talvez os devotos da palavra escrita acabem por formar uma guilda cada vez menor, aposentada por universidades, governos e grupos de reflexão para viver seus dias na obscuridade silenciosa enquanto os fornecedores da cultura da imagem expandem seu alcance. Mas a preocupação com a cultura da imagem tem uma história rica, e nenhum dos lados pode reivindicar a vitória. No prefácio de seu livro, A Essência do Cristianismo, publicado em 1843, Feuerbach reclamou que sua própria era & ldquoprefere a imagem à coisa, a cópia ao original, a representação à realidade, a aparência ao ser. & rdquo

Os entusiastas da tecnologia gostam de nos lembrar, como se estivessem contando uma curiosa história sobre o triunfo da razão e do triunfo sobre a superstição, que as novas tecnologias sempre geraram polêmica. A imprensa enervou os filósofos escolásticos e escribas religiosos cujas vidas foram ritmadas ao ritmo do manuscrito mais tarde, o telefone foi indiciado por um quadro temeroso de sua ameaça de convívio e comunicação face a face, e assim por diante. As laboriosas copiadoras de manuscritos realmente temiam a imprensa, e alguns tradicionalistas resistiram vigorosamente às intrusões do telefone. Mas em uma época de grande hierarquia social, muito disso foi impulsionado por um desdém da elite pela influência democratizante dessas tecnologias e seu potencial para derrubar convenções sociais (o que de fato muitos deles fizeram). A crítica contemporânea à nossa cultura saturada de imagens não é uma crítica aos meios pelos quais criamos imagens (câmeras, televisão, vídeo). Ninguém argumentaria seriamente pela eliminação de tais tecnologias, como fizeram aqueles que temiam a invenção de Gutenberg & rsquos quando destruíram as impressoras. A crítica é uma expressão de preocupação com o termina de uma cultura baseada na imagem, e nossa relutância ainda em considerar se esses fins podem ser o que realmente queremos para nossa sociedade.

Nem é a preocupação com a cultura da imagem meramente um medo de perder nosso controle sobre o que é familiar - esse mundo conhecido com sua longa história de confiança na palavra impressa. Os copistas que temiam a imprensa não estavam errados em acreditar que ela os tornaria obsoletos. Sim, sim. Mas os críticos contemporâneos que questionam a proliferação de imagens na cultura e que temem que o simples número de imagens minem a sensibilidade que cria leitores da palavra escrita (substituindo-os por intérpretes inteligentes mas superficiais da imagem) não estão preocupados em serem usurpados pela imagem -makers. Eles são motivados em grande parte pela esperança de preservar o que resta de seu ofício. Eles são mais parecidos com o conservacionista que fez da floresta seu lar apenas para descobrir, para sua surpresa, que os animais com os quais ele a compartilha estão diminuindo rapidamente em número. O que ele quer saber, em seu estado de perplexidade, não é & ldquoComo me retiro para mais fundo na floresta? & Rdquo, mas & ldquoComo posso preservar os poucos sobreviventes antes que todos os registros deles sejam perdidos & rdquo

O mesmo ocorre com aqueles que resistem a uma cultura baseada na imagem. Como seus impulsionadores sugerem, ele veio para ficar e provavelmente se tornará mais poderoso com o passar do tempo, tornando todos nós fl & acircneurs virtuais que passeiam por avenidas repletas de imagens digitais e imagens em movimento. É claro que ficaremos muito entretidos com essas imagens, e muitas delas nos contarão histórias de maneiras novas e emocionantes. Ao mesmo tempo, porém, teremos perdido algo profundo: a capacidade de ordenar as palavras para descrever as ambigüidades da vida e as fontes de nossas ideias, a possibilidade de transmitir aos outros, com a sutileza, a precisão e a poesia da palavra escrita , por que determinados eventos ou pessoas nos afetam como o fazem e a capacidade, por meio da linguagem, de destilar o significado mais profundo da experiência comum. Seremos uma sociedade de um milhão de imagens sem muita memória, uma sociedade que espera a cada segundo uma replicação imediata do que acabou de fazer, mas que não sustenta o difícil trabalho de transmitir cultura de uma geração a outra.


Contação de histórias e tradições culturais

Contar histórias é tão antigo quanto a cultura. Muitas sociedades têm tradições de contar histórias estabelecidas há muito tempo. As histórias e suas performances funcionam tanto para entreter quanto para educar.

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Passover Seder

A celebração da Páscoa judaica inclui um ritual de narração de histórias conhecido como seder, ou ordem. Durante uma refeição, a história do êxodo de judeus para fora do Egito é contada.

Fotografia de B. Anthony Stewart

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Contar histórias é universal e tão antigo quanto a humanidade. Antes de haver escrita, havia a narração de histórias. Ocorre em todas as culturas e em todas as épocas. Ele existe (e existiu) para entreter, informar e promulgar tradições e valores culturais.

A narrativa oral é contar uma história por meio de voz e gestos. A tradição oral pode assumir muitas formas, incluindo poemas épicos, cantos, rimas, canções e muito mais. Nem todas essas histórias são historicamente precisas ou mesmo verdadeiras. A verdade é menos importante do que fornecer coesão cultural. Pode abranger mitos, lendas, fábulas, religião, orações, provérbios e instruções.

Aqui estão alguns exemplos de contar histórias como um método de transmitir tradições culturais.

Choctaw Storytelling

Como todas as tribos nativas americanas, os Choctaw têm uma tradição de contar histórias orais que remonta a gerações. Suas histórias tinham como objetivo preservar a história da tribo e da tribo e educar os jovens. Por exemplo, a tradição oral Choctaw inclui duas histórias de criação: uma relacionada à migração do oeste e outra à criação de um monte. Além disso, a tradição oral inclui história, bem como lições de vida ou ensinamentos morais. Muitos dos contos tradicionais do Choctaw empregam personagens animais para ensinar essas lições de forma humorística.

Contação de histórias nativa havaiana

A palavra nativa havaiana para história é & ldquomo & # 699olelo & rdquo, mas também pode significar história, lenda, tradição e assim por diante. Vem de duas palavras, mo & rsquoo, que significa sucessão, e olelo, que significa linguagem ou fala. Assim, a história é a & ldquosuccessão da linguagem & rdquo, uma vez que todas as histórias eram orais. As histórias havaianas nativas incluíam a história do primeiro havaiano, que nasceu de uma raiz de taro. Outras histórias falam de navegação pelos mares.

Tradicionalmente, os contadores de histórias nativos havaianos, que conheciam história e genealogia, eram membros de honra da sociedade. A narrativa havaiana não se limitava apenas a palavras & mdashit incluía falar, mas também abarcava mele (canção), oli (canto) e hula (dança).

Os havaianos valorizavam as histórias porque não eram apenas divertidas, mas também ensinavam a próxima geração sobre comportamento, valores e tradições.

Contação de histórias da África Ocidental

Os povos da África Subsaariana têm fortes tradições de contação de histórias. Em muitas partes da África, após o jantar, a aldeia se reúne em torno de uma fogueira central para ouvir o contador de histórias. Como em outras culturas, o papel do contador de histórias é entreter e educar.

Grande parte da cultura da África Ocidental são os griots: contadores de histórias, trovadores e conselheiros de reis. Eles desempenhavam as funções de contador de histórias, genealogista, historiador, embaixador e muito mais. Algumas das histórias mais famosas da África Ocidental são as de Anansi, a aranha trapaceira.

Os griots eram tradicionalmente hereditários, uma profissão ou ofício passado de geração em geração. Também havia escolas griot, onde um treinamento mais formal poderia ser obtido. Tanto homens quanto mulheres podem exercer a profissão (as mulheres são chamadas de griottes), embora as mulheres tenham um status um pouco inferior.

O Povo Judeu e o Seder da Páscoa

Na Páscoa, famílias de fé judaica celebram o êxodo do povo judeu da escravidão no Egito. A celebração da Páscoa inclui um ritual de narração de histórias conhecido como seder, ou ordem. Durante uma refeição, é contada a história do Êxodo, uma tradição oral transmitida de geração em geração para educar os jovens. Uma parte importante da cerimônia são as & ldquofour perguntas & rdquo feitas pelas crianças mais novas presentes, que são o ímpeto para contar a história.

Contação de histórias irlandesa

Os seanchai eram os tradicionais guardiões irlandeses da história. Eles viajavam de aldeia em aldeia, recitando antigas tradições e contos de sabedoria. Eles contaram os antigos mitos, bem como as notícias e acontecimentos locais. Proeminentes na tradição oral irlandesa são contos de reis e heróis.

Hoje, a narrativa e o interesse pela narrativa parecem estar voltando. Como disse um contador de histórias irlandês: & ldquoIt & rsquos uma necessidade de conexão & hellip, acho que a narrativa nutre conexões com as pessoas na vida real. & Rdquo

A celebração da Páscoa judaica inclui um ritual de narração de histórias conhecido como seder, ou ordem. Durante uma refeição, a história do êxodo de judeus para fora do Egito é contada.


O que é patrimônio cultural?

Freqüentemente ouvimos sobre a importância do patrimônio cultural. Mas o que é patrimônio cultural? E de quem é essa herança? Cuja herança nacional, por exemplo, faz o Monalisa por Leonardo da Vinci pertencem a? É francês ou italiano?

Em primeiro lugar, vamos dar uma olhada no significado das palavras. “Patrimônio” é uma propriedade, algo que é herdado, transmitido de gerações anteriores. No caso de “patrimônio cultural”, o patrimônio não consiste em dinheiro ou bens, mas sim em cultura, valores e tradições. A herança cultural implica um vínculo compartilhado, nossa pertença a uma comunidade. Ele representa nossa história e nossa identidade, nosso vínculo com o passado, com nosso presente e com o futuro.

Patrimônio cultural tangível e intangível

O patrimônio cultural frequentemente traz à mente artefatos (pinturas, desenhos, gravuras, mosaicos, esculturas), monumentos e edifícios históricos, bem como sítios arqueológicos. Mas o conceito de patrimônio cultural é ainda mais amplo do que isso e tem crescido gradualmente para incluir todas as evidências da criatividade e expressão humana: fotografias, documentos, livros e manuscritos e instrumentos, etc., como objetos individuais ou como coleções. Hoje, as cidades, o patrimônio subaquático e o ambiente natural também são considerados patrimônios culturais, uma vez que as comunidades se identificam com a paisagem natural.

Além disso, o patrimônio cultural não se limita apenas aos objetos materiais que podemos ver e tocar. Também consiste em elementos imateriais: tradições, história oral, artes cênicas, práticas sociais, artesanato tradicional, representações, rituais, conhecimentos e habilidades transmitidos de geração em geração dentro de uma comunidade.

O patrimônio imaterial, portanto, inclui uma variedade estonteante de tradições, música e danças, como tango e flamenco, procissões sagradas, carnavais, falcoaria, cultura de cafeteria vienense, o tapete azerbaijano e suas tradições de tecelagem, fantoches chineses de sombras, dieta mediterrânea, canto védico, Teatro Kabuki, o canto polifônico do Aka da África Central (para citar alguns exemplos).

A importância de proteger o patrimônio cultural

Mas o patrimônio cultural não é apenas um conjunto de objetos culturais ou tradições do passado. É também o resultado de um processo de seleção: um processo de memória e esquecimento que caracteriza toda sociedade humana constantemente empenhada em escolher - por razões culturais e políticas - o que é digno de ser preservado para as gerações futuras e o que não é.

Todos os povos contribuem para a cultura do mundo. É por isso que é importante respeitar e salvaguardar todo o patrimônio cultural, por meio de leis nacionais e tratados internacionais. O tráfico ilícito de artefatos e objetos culturais, a pilhagem de sítios arqueológicos e a destruição de edifícios e monumentos históricos causam danos irreparáveis ​​ao patrimônio cultural de um país. A UNESCO (Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura), fundada em 1954, adotou convenções internacionais sobre a proteção do patrimônio cultural, para promover a compreensão intercultural e, ao mesmo tempo, enfatizar a importância da cooperação internacional.

A proteção da propriedade cultural é um problema antigo. Uma das questões mais recorrentes na proteção do patrimônio cultural é a difícil relação entre os interesses do indivíduo e da comunidade, o equilíbrio entre os direitos privados e públicos.

Os antigos romanos estabeleceram que uma obra de arte poderia ser considerada parte do patrimônio de toda a comunidade, mesmo que fosse de propriedade privada. Por exemplo, as esculturas que decoram a fachada de um edifício privado foram reconhecidas como tendo um valor comum e não podiam ser removidas, uma vez que se encontravam num local público, onde podiam ser vistas por todos os cidadãos.

Lysippos de Sikyon, Apoxyomenos (raspador), Cópia helenística ou romana após 4 c. Original grego, c. 390-306 B.C.E. (Museo Pio-Clementino, Vaticana)

No dele Naturalis Historia o autor romano Plínio, o Velho (23-79 d.C.) relatou que o estadista e general Agripa colocou o Apoxyomenos, obra-prima do célebre escultor grego Lysippos, em frente às suas termas. A estátua representava um atleta tirando poeira, suor e óleo de seu corpo com um instrumento específico chamado "strigil". O imperador Tibério admirou profundamente a escultura e ordenou que ela fosse removida da vista do público e colocada em seu palácio privado. O povo romano se levantou e o obrigou a devolver o Apoxyomenos à sua localização anterior, onde todos puderam admirá-la.

Nosso direito de desfrutar das artes e de participar da vida cultural da comunidade está incluído no documento das Nações Unidas de 1948 Declaração universal dos direitos humanos.

De quem é a herança cultural?

O termo “patrimônio cultural” normalmente evoca a ideia de uma única sociedade e a comunicação entre seus membros. Mas as fronteiras culturais não são necessariamente bem definidas. Artistas, escritores, cientistas, artesãos e músicos aprendem uns com os outros, mesmo que pertençam a culturas diferentes, distantes no espaço ou no tempo. Basta pensar na influência das gravuras japonesas nas pinturas de Paul Gauguin ou das máscaras africanas nas obras de Pablo Picasso. Ou você também pode pensar na arquitetura ocidental em casas liberianas na África. Quando os escravos afro-americanos libertos voltaram para sua terra natal, eles construíram casas inspiradas no estilo neoclássico de mansões nas plantações americanas. O estilo neoclássico americano foi, por sua vez, influenciado pelo arquiteto renascentista Andrea Palladio, que foi influenciado pela arquitetura romana e grega.

Vejamos outro exemplo, o da Monalisa pintado no início do século XVI por Leonardo da Vinci e exibido no Museu do Louvre em Paris. Do ponto de vista moderno, cujo patrimônio nacional faz a Monalisa pertence a?

Pessoas tirando fotos da Mona Lisa, foto: Heather Anne Campbell (CC BY-NC-ND 2.0)

Leonardo foi um pintor italiano muito famoso, é por isso que o Monalisa obviamente faz parte da herança cultural italiana. Quando Leonardo foi para a França, para trabalhar na corte do rei Francisco I, ele provavelmente trouxe o Monalisa com ele. Parece que em 1518 o rei Francisco I adquiriu o Monalisa, que, portanto, acabou nas coleções reais: é por isso que obviamente faz parte do patrimônio nacional francês também. Esta pintura foi definida como a mais conhecida, a mais visitada, a mais escrita e a mais parodiada obra de arte do mundo: como tal, pertence ao património cultural de toda a humanidade.

A herança cultural transmitida a nós por nossos pais deve ser preservada para o benefício de todos. Em uma era de globalização, o patrimônio cultural nos ajuda a lembrar nossa diversidade cultural, e sua compreensão desenvolve o respeito mútuo e o diálogo renovado entre as diferentes culturas.


Miçangas NATIVOS AMERICANOS

Na América do Norte, onde a pérola mais antiga já encontrada data de 11.000 a.C., a história das pérolas é profunda com as tribos nômades nativas americanas que povoaram as planícies a oeste do rio Mississippi. Precisando ser capaz de se mover rapidamente através da vasta faixa do oeste americano - impulsionado pela seca, falta de bisões ou guerra com outras tribos - os nativos americanos concentraram esforços artísticos em itens facilmente transportáveis.

No Oriente, algumas tribos usavam conchas marinhas para criar contas chamadas wampum, que eram avaliadas como moeda, serviam como registro histórico e eram usadas como joias. Quando amarrados como cintos, wampum servia como um símbolo de acordo - na verdade, um documento assinado.

Sua melhor aposta para comprar um autêntico beadwork nativo americano é em um powwow oficial, que serve tanto como cola social quanto espetáculo tribal. Essas reuniões geralmente envolvem várias tribos e artistas em feitos enérgicos de girar e girar: braços em movimento, joelhos levantados e contas chocalhando poderosamente.


A progressão da cultura de escritório dos anos 50 até hoje

A cultura do escritório mudou bastante ao longo dos anos.

Algumas dessas mudanças realmente se refletiram nas tendências de design do local de trabalho.

Escritórios de canto deveriam transmitir prestígio e status hierárquico. O cubículo pretendia melhorar a vida dos funcionários, mas acabou se tornando um símbolo de trabalho enfadonho corporativo.E o layout de escritório aberto, atualmente popular, foi introduzido como uma abordagem mais igualitária, mas também recebeu uma reação bastante negativa.

Em seu livro de 2014 "O melhor lugar para trabalhar: a arte e a ciência de criar um local de trabalho extraordinário", Ron Friedman conclui que o júri ainda não decidiu qual estilo é a opção menos terrível.

"Os cubículos são deprimentes. Os escritórios particulares são isoladores. Os espaços abertos são uma distração", escreve ele.

Mas as grandes mudanças na cultura de trabalho dos Estados Unidos não se limitaram às aparências.

O trabalho em equipe está ostensivamente dentro, enquanto a hierarquia está fora. As máquinas de escrever começaram com o advento de computadores mais rápidos e fáceis de usar. O jargão corporativo e as ideias sobre segurança no emprego também passaram por grandes fluxos.

A diversidade racial na força de trabalho aumentou ao longo do tempo - embora muitos campos ainda tenham um longo caminho a percorrer.

E o assédio sexual no local de trabalho deixou de ser um fenômeno difundido e amplamente aceito para um fenômeno difundido, mas um tanto menos amplamente aceito.

Vamos dar uma olhada no tempo e ver como a cultura do escritório mudou ao longo dos anos:


Vida politica

Governo. A Nigéria é uma república, com o presidente atuando como chefe de estado e de governo. A Nigéria tem uma longa história de golpes de estado, regime militar e ditadura. No entanto, esse padrão foi quebrado em 29 de maio de 1999, quando o atual presidente da Nigéria, Olusegun Obasanjo, assumiu o cargo após as eleições populares. De acordo com a atual constituição, as eleições presidenciais devem ser realizadas a cada quatro anos, nenhum presidente servindo por mais de dois mandatos. A legislatura nigeriana consiste em duas câmaras: um Senado e uma Câmara dos Representantes. Todos os legisladores são eleitos para mandatos de quatro anos. O ramo judicial da Nigéria é chefiado por uma Suprema Corte, cujos membros foram nomeados pelo Conselho de Decisão Provisória, que governou a Nigéria durante sua recente transição para a democracia. Todos os nigerianos com mais de 18 anos podem votar.

Liderança e funcionários políticos. Uma elite política rica domina a vida política na Nigéria. A relação entre a elite política e os nigerianos comuns não é diferente daquela entre nobres e plebeus. Os líderes nigerianos, seja como membros de um regime militar ou de um dos governos civis de curta duração da Nigéria, têm uma história de fazer de tudo para permanecer no poder e manter a riqueza que esse poder lhes deu.

Os nigerianos rurais tendem a aceitar esse sistema político nobre camponês. Os baixos níveis de educação e alfabetização significam que muitas pessoas nas áreas rurais não estão totalmente conscientes do processo político ou de como afetá-lo. Seu relativo isolamento do resto do país significa que muitos nem sequer pensam em política. Há um sentimento comum em muitas áreas rurais de que a pessoa média não pode afetar a política do país, então não há razão para tentar.

Os nigerianos urbanos tendem a ser muito mais expressivos em seu apoio ou oposição a seus líderes. Problemas urbanos de habitação, desemprego, saúde, saneamento e trânsito tendem a mobilizar as pessoas para a ação política e demonstrações públicas de insatisfação.

Os partidos políticos foram proibidos sob o regime de Abacha e só voltaram a existir após sua morte. Nas eleições presidenciais de 1999, havia três partidos políticos principais na Nigéria: o Partido Democrático do Povo (PDP), o Partido de Todos os Povos (APP) e a Aliança para a Democracia (AD). O PDP é o partido do presidente Obasanjo. Ele surgiu do apoio aos líderes da oposição que foram presos pelo governo militar no início dos anos 1990. Acredita-se que o PDP tenha recebido forte assistência financeira dos militares durante as eleições de 1999. O APP é liderado por políticos que tinham laços estreitos com o regime de Abacha. O AD é um partido liderado por seguidores do falecido Moshood Abiola, o político iorubá que venceu as eleições gerais em 1993, apenas para ser enviado para a prisão pelo regime militar.

Problemas sociais e controle. Talvez o maior problema social da Nigéria seja a violência interna que assola o país. Lutas interétnicas em todo o país, motins religiosos entre muçulmanos e não muçulmanos sobre a criação da lei Sharia (lei islâmica estrita) nos estados do norte e confrontos políticos entre minorias étnicas e apoiadores de empresas petrolíferas frequentemente geram confrontos sangrentos que podem durar dias ou mesmo meses. Quando ocorre uma violência desse tipo, a polícia nacional e estadual tenta controlá-la. No entanto, a própria polícia é freqüentemente acusada de algumas das piores violências. Em alguns casos, toques de recolher e lei marcial foram impostos em áreas específicas para tentar conter surtos de agitação.

A pobreza e a falta de oportunidades para muitos jovens, especialmente nas áreas urbanas, resultaram em crimes graves. Lagos é considerada uma das cidades mais perigosas da África Ocidental devido ao seu índice de criminalidade incrivelmente alto. A polícia é acusada de controlar o crime, mas sua falta de sucesso muitas vezes leva à justiça vigilante.

Em algumas áreas rurais, existem algumas formas mais tradicionais de abordar os problemas sociais. Em muitos grupos étnicos, como os igbo e os iorubás, os homens são organizados em sociedades secretas. Os membros iniciados dessas sociedades geralmente se vestem com máscaras e folhas de palmeira para se disfarçar como a personificação física de espíritos tradicionais para ajudar a manter a ordem social. Por meio da dança ritual, esses homens alertam sobre problemas com a moralidade de um indivíduo ou comunidade em uma determinada situação. Como a crença na bruxaria e nos espíritos malignos é alta em toda a Nigéria, esse tipo de acusação pública pode instilar medo nas pessoas e fazer com que elas se recuperem. Membros de sociedades secretas também podem atuar como juízes ou intermediários em disputas.

Atividade militar. Os militares da Nigéria consistem em um exército, uma marinha, uma força aérea e uma força policial. A idade mínima para o serviço militar é dezoito anos.

Os militares nigerianos são os maiores e mais bem equipados militares da África Ocidental. Como membro da Comunidade Econômica dos Estados da África Ocidental (CEDEAO), a Nigéria é o principal contribuinte para o ramo militar da organização, conhecido como ECOMOG. As tropas nigerianas constituíram a grande maioria das forças da ECOMOG destacadas para restaurar a paz após as guerras civis na Libéria, Guiné-Bissau e Serra Leoa. A insatisfação pública com a participação da Nigéria na crise de Serra Leoa foi extremamente alta devido às altas taxas de baixas entre os soldados nigerianos. A Nigéria prometeu sair de Serra Leoa em 1999, o que levou as Nações Unidas a enviar forças de paz em uma tentativa de conter a violência. Embora as forças estrangeiras em Serra Leoa estejam agora sob o mandato das Nações Unidas, as tropas nigerianas ainda constituem a maioria dos soldados da paz.

A Nigéria tem uma longa disputa de fronteira com Camarões sobre a rica em minerais Península Bakasi, e os dois países se envolveram em uma série de escaramuças internacionais. Nigéria, Camarões, Níger e Chade também têm uma longa disputa de fronteira sobre território na região do Lago Chade, o que também levou a alguns combates além das fronteiras.


Mudança constante

Não importa a cultura da qual um povo faça parte, uma coisa é certa, ela mudará. "A cultura parece ter se tornado a chave em nosso mundo interconectado, que é composto de tantas sociedades etnicamente diversas, mas também repleto de conflitos associados à religião, etnia, crenças éticas e, essencialmente, aos elementos que compõem a cultura", De Disse Rossi. "Mas a cultura não é mais fixa, se é que alguma vez o foi. É essencialmente fluida e está em constante movimento." Isso torna difícil definir qualquer cultura de apenas uma maneira.

Embora a mudança seja inevitável, o passado também deve ser respeitado e preservado. As Nações Unidas criaram um grupo denominado Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (UNESCO) para identificar o patrimônio cultural e natural e para conservá-lo e protegê-lo. Monumentos, edificações e sítios são protegidos pela proteção do grupo, de acordo com o tratado internacional, a Convenção para a Proteção do Patrimônio Mundial, Cultural e Natural. Este tratado foi adotado pela UNESCO em 1972.

Reportagem adicional de Alina Bradford, contribuidora do Live Science


Em vez de um sinônimo depreciativo para "absurdo", "surreal" pretendia significar nosso acesso secreto a verdades universais

Escrevendo em uma carta datada de março de 1917, o dramaturgo e crítico de arte Guillaume Apollinaire tentou capturar a essência de um novo balé de Erik Satie e Jean Cocteau. “Considerando tudo”, disse Apollinaire sobre a produção de Parade, em que os performers desfilavam em bizarros trajes quadradinhos desenhados pelo pioneiro pintor cubista Pablo Picasso, “acho que na verdade é melhor adotar o surrealismo do que o sobrenaturalismo, que eu primeiro usado."

Apollinaire promoveria sua cunhagem da palavra "surrealismo" (pela qual esperava capturar a qualidade "visionária" do balé), consagrando-a nas notas do programa, que foi convidado a escrever. Agora flutuando no ar da vanguarda de Paris, o termo acabou sendo adotado por artistas (como Salvador Dalí e René Magritte) fascinados pelo poder da mente inconsciente de produzir imagens, símbolos e afirmações que substituem as realidades do comum razão e experiência. Em vez de um sinônimo depreciativo para "absurdo", "surreal" pretendia significar nosso acesso secreto a verdades universais.

O artista francês Marcel Duchamp aplicou a palavra ‘móvel’ a uma obra cinética de Alexander Calder em 1931 (Crédito: BBC)

Poucas palavras são tão móveis em seu significado quanto "móvel". Uma abreviatura útil hoje para 'telefone móvel', a palavra também era uma abreviatura no século 17 para a frase insultuosa 'vulgus móvel ', usado condescendentemente para descrever o hoi polloi. Eventualmente, 'móvel', como um substituto para gentalha e ralé, foi reduzido ainda mais para a calúnia que ainda usamos hoje: 'multidão'.

Em 1931, o escultor americano Alexander Calder e o pioneiro da vanguarda francês Marcel Duchamp acrescentaram outra torção ao significado da palavra. Sem saber como chamar seus novos trabalhos cinéticos, compostos de formas abstratas balançando com equilíbrio perfeito de cordas e fios, Calder pediu conselhos a Duchamp. Duchamp, que já havia chocado o mundo 14 anos antes ao declarar um mictório uma obra de arte, fez o que Duchamp fazia de melhor e se reapropriou de uma construção pronta dando-lhe um novo giro. Voila: 'Móvel'.

A palavra ‘cara’ originalmente aplicada a dândis americanos - como Evander Berry Wall, retratado - no século 19 (Crédito: Alamy)

Antes havia 'mano', havia 'cara': aquele endereço informal que te dá um tapa nas costas com uma mão, dá um russo branco com a outra e diz, 'ei, eu acordei ao meio-dia também, cara' . Nos últimos 20 anos, a interpretação de Jeff Bridge de O Cara no filme dos Irmãos Coen, The Big Lebowski (1998), sintetizou o espírito sedutor da insipidez. Desgrenhado, chapado e desorientado, a atitude descontraída de The Dude é difícil de conciliar com a origem artística da própria palavra, que parece ter entrado no discurso popular no início da década de 1880 como uma abreviatura para seguidores masculinos recatados do Movimento Estético - uma moda artística de curta duração que defendia a moda superficial e a beleza decadente ('arte pela arte') e era associada a artistas vestidos de forma ostensiva, como James McNeill Whistler e Dante Gabriel Rossetti.

Pensa-se que ‘cara’ é uma abreviatura de ‘Doodle’ em ‘Yankee Doodle’ e provavelmente se refere ao novo ‘dândi’ que a música descreve. Cantada originalmente no final do século 18 por soldados britânicos interessados ​​em satirizar os colonos americanos com quem estavam em guerra, a cantiga, no final do século 19, havia sido adotada nos Estados Unidos como um hino patriótico.

Naquela época, uma espécie indígena de papagaios fastidiosamente exagerados emergiu na América para rivalizar com o dândi britânico, e é a essa nova geração de estetas vestidos com elegância que o termo "cara" foi atribuído. Com o tempo, as gravatas de seda e calças cônicas, sapatos envernizados e coletes listrados usados ​​por defensores da tendência como Evander Berry Wall (a socialite de Nova York apelidada de "Rei dos caras") seriam retirados, deixando pouco mais do que uma atitude contracultural para definir o que significa ser um Cara (ou um El Duderino, se você não gostar de toda essa questão de brevidade).

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Ansiedade de separação em animais de estimação

A ansiedade de separação em animais de estimação é uma coisa real e reconhecer os sinais de aviso é importante.

Desde março, a Covid-19 exige que a maior parte do mundo fique em quarentena em suas casas. A maioria das pessoas acabou trabalhando em casa por quase cinco meses. Isso significava que os donos de animais de estimação estavam constantemente com seus animais de estimação, dando-lhes atenção, brincando com eles, deixando-os sair, etc. Portanto, quando o mundo lentamente começou a se abrir novamente e os donos de animais começaram a retornar aos horários de trabalho normais fora de casa, os donos de animais notou uma diferença na maneira como seu animal de estimação agia. Muitos animais de estimação desenvolvem ansiedade de separação, especialmente durante esse período louco em que a maioria das pessoas ficava presa dentro de casa, mal saindo de casa.

A ansiedade de separação em animais de estimação pode levar a:

Mastigação, escavação e destruição

O que causa ansiedade de separação:

Uma série de coisas pode causar ansiedade de separação em animais de estimação. Um motivo claro agora é o fato de covid-19 exigir que os indivíduos permaneçam em casa por longos períodos de tempo. Então, esses indivíduos foram capazes de retornar às suas vidas diárias deixando os animais de estimação junto por longos períodos de tempo. Outra razão é que alguns cães adotáveis ​​podem ter ansiedade de separação quando adotados pela primeira vez, porque temem que seu tutor possa ir embora. Outra causa é se um animal de estimação experimenta uma mudança repentina em sua rotina normal, por exemplo covid-19, isso pode causar ansiedade de separação neles. Esteja ciente de que o movimento também pode causar ansiedade de separação, portanto, se você e seu cão se movimentarem muito, isso pode desencadear ansiedade de separação em seu animal de estimação.

Como Manter a Ansiedade de Separação:

Se o seu animal de estimação tem um leve caso de ansiedade de separação, tente transformar quando partir em algo emocionante para o seu animal de estimação. Isso pode significar oferecer guloseimas antes de você sair, para que eles comecem a associar sua saída com a obtenção de uma guloseima. Também pode ser útil deixá-los quebra-cabeças como brinquedos, como a marca KONG oferece brinquedos nos quais você pode colocar guloseimas ou colocar comida como manteiga de amendoim ou queijo. Este brinquedo distrairá seu animal de estimação por um tempo, e ele receberá uma recompensa quando eles brincam com o brinquedo. Esses brinquedos tentam oferecer apenas para seu animal de estimação quando você sai de casa. Isso treinará seu animal de estimação para começar a aproveitar o momento em que você sair, pois eles sabem que receberão uma recompensa.

Se seu animal de estimação tem um caso moderado de ansiedade de separação, pode levar mais tempo para que ele se acostume com a sua partida. Isso significa tornar o processo de deixá-los mais lento. Comece deixando seu animal de estimação apenas por curtos períodos de cada vez e continue a recompensá-los. À medida que eles começam a se acostumar, aumenta o período do qual você se foi. Com o tempo, seu animal de estimação começará a reconhecer que você se foi porque eles recebem recompensas. Para cães que sofrem de ansiedade severa, especialmente quando notam que você calça os sapatos ou pega as chaves. Para esses bichinhos tente associar esses itens com você nem sempre saindo. Tente usar esses itens, mas não deixe para mostrar ao seu animal que eles não devem temer esses itens. Se você tem um animal de estimação que normalmente o segue, tente fazer coisas como mandá-lo sentar e ficar do lado de fora da porta do banheiro enquanto você entra naquele cômodo. Aumente gradualmente o tempo que você deixa seu animal do outro lado da porta. Isso treina um animal de estimação para que eles fiquem sozinhos e fiquem bem. Este processo demorará algum tempo, por isso mantenha a calma e a paciência com o seu animal de estimação. Este processo deve começar em uma sala, mas com o passar do tempo, você poderá sair de casa e sair sem seguir seu animal de estimação. Continue a observar os sinais de estresse em seu animal de estimação, como passear, tremer, ofegar, etc. Se algum desses sinais e outros aparecerem, dê um passo para trás e mova-se mais devagar. Durante este processo geral, é importante que você vá devagar, então tente não deixar seu animal de estimação, o que pode ser muito difícil. Tente providenciar se você precisa deixar alguém como um amigo para passar e ficar com seu animal de estimação ou tente usar uma creche para cães, apenas para que seu animal de estimação não fique totalmente sozinho.

Algumas outras dicas:

Quando cumprimentar o seu animal de estimação depois de ter partido, diga olá de forma calma e, em seguida, ignore-o até que comecem a ficar calmos. A mesma coisa com dizer adeus, mantenha a calma e não ceda a eles serem selvagens e loucos. Para acalmá-los, tente fazer com que realizem uma tarefa que eles conheçam, como sentar ou sentar. Outra dica é possível treinar o seu animal de estimação na caixa. Se seu animal de estimação associa sua caixa com um lugar seguro, isso pode aliviar sua ansiedade quando você for embora. Também pode ser útil se você não colocar seu animal de estimação em uma caixa segura onde ele normalmente se sinta mais confortável. Outra dica é fornecer bastante estímulo mental para seu animal de estimação, como guloseimas e brinquedos. Além disso, tente dar a seu cão algum tipo de exercício antes de sair todos os dias. Deixar guloseimas e alimentos escondidos para seu animal de estimação encontrar ao longo do dia também os manterá ocupados e entretidos. Se nenhuma das dicas acima ajudar, tente procurar a ajuda de um profissional em comportamentos de animais de estimação. Eles serão capazes de determinar um regime para ajudar você e seu animal de estimação a melhorar. A medicação também pode ser necessária para casos graves, por exemplo, falar com um veterinário sobre as diferentes opções para seu animal de estimação.

A ansiedade da separação pode ser comum em animais de estimação, especialmente depois do ano que todos tiveram. Procure sinais de ansiedade de separação em seus animais de estimação e observe as diferentes maneiras pelas quais você pode ajudá-los a melhorar. Lembre-se também de nunca punir seu animal de estimação por qualquer comportamento ansioso. Faça o seu melhor para não disciplinar e, em vez disso, use essas dicas para evitar comportamentos futuros. A ansiedade da separação pode ser mantida com paciência.


Assista o vídeo: A cultura das imagens e as imagens na cultura (Janeiro 2022).