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Impressão artística de um casamento medieval

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Arte viking

Arte viking, também conhecido comumente como Arte nórdica, é um termo amplamente aceito para a arte dos assentamentos escandinavos nórdicos e vikings mais distantes - particularmente nas ilhas britânicas e na Islândia - durante a era viking dos séculos VIII a 11 dC. A arte Viking tem muitos elementos de design em comum com a arte celta, germânica, a românica posterior e a arte do Leste Europeu, compartilhando muitas influências com cada uma dessas tradições. [1]

De modo geral, o conhecimento atual da arte Viking depende fortemente de objetos mais duráveis ​​de metal e pedra, madeira, osso, marfim e tecidos são mais raramente preservados da pele humana, o que fontes históricas indicam que era frequentemente tatuado de forma elaborada [ citação necessária ], não existe em nenhum lugar e é improvável que tenha sobrevivido. O registro artístico, portanto, como sobreviveu até os dias atuais, permanece significativamente incompleto. Escavações arqueológicas em andamento e descobertas oportunistas, é claro, podem melhorar essa situação no futuro, como de fato fizeram no passado recente.

A arte Viking é geralmente dividida em uma sequência de estilos aproximadamente cronológicos, embora fora da Escandinávia as influências locais sejam freqüentemente fortes, e o desenvolvimento de estilos pode ser menos claro.


A estranha história do bolo de casamento

Pergunte a qualquer noiva de verão: seu bolo de casamento, envolto em rosas de açúcar feitas à mão e às vezes vale mais do que seu vestido de noiva, é o veículo definitivo para a autoexpressão. O bolo de cinco pés de altura da princesa Diana & # 8217, adornado com brasões de marzipã Windsor, foi tão vital para a união real que duas cópias foram feitas, o extra servindo como dublê em caso de acidentes. Os designs de bolos modernos podem variar desde o confuso e sutil (padrões de glacê que ecoam o bordado no vestido da noiva & # 8217s, por exemplo) até o absolutamente ultrajante: bolos que lembram as trilhas de ciclismo favoritas, cabanas de madeira, iPods, limpa-neves ou vulcões havaianos (que realmente vomitar fumaça). Uma noiva recente optou por uma réplica comestível em tamanho real dela mesma, a praça da cidade de & # 8220 De volta para o futuro. & # 8221 E se o casal feliz não tem coragem de devorar a obra-prima & # 8212 bem, atualmente eles pode não precisar. Para cortar custos, bolos elaborados às vezes são feitos de isopor, com uma única fatia real embutida para o bem da cerimônia de corte. Os hóspedes são servidos com um bolo simples, esculpido discretamente na cozinha.

A história da massa nupcial, entretanto, é ainda mais estranha do que esses rituais modernos sugerem. & # 160 Na Roma antiga, os casamentos eram selados quando o noivo esmagava um bolo de cevada na cabeça da noiva. (Felizmente, as tiaras não estavam na moda na época.) Na Inglaterra medieval, os recém-casados ​​se beijavam em uma pilha de pãezinhos, supostamente garantindo um futuro próspero. Convidados solteiros às vezes levavam para casa um pequeno pedaço de bolo para enfiar embaixo do travesseiro.

Talvez isso fosse preferível a comê-lo. Uma das primeiras receitas britânicas de & # 8220Bride & # 8217s Pye & # 8221 misturava pentes de galo, testículos de cordeiro, pães doces, ostras e (felizmente) muitos temperos. Outra versão pedia pés de bezerro cozidos.

Em meados do século dezesseis, porém, o açúcar estava se tornando abundante na Inglaterra. Quanto mais refinado o açúcar, mais branco ele era. O glacê branco puro logo se tornou um ingrediente básico do bolo de casamento. Não só a cor alude à virgindade da noiva & # 8217s, como Carol Wilson aponta em seu Gastronômica artigo & # 8220Bolo de casamento: uma fatia de história & # 8221, mas a brancura era & # 8220 um símbolo de status, uma demonstração da riqueza da família & # 8217. & # 8221 Mais tarde, bolos em camadas, com seus suportes de cimento decorativos secos glacê, afluência também anunciada. Os bolos de casamento formais tornaram-se maiores e mais elaborados com a era vitoriana. Em 1947, quando a rainha Elizabeth II (então princesa Elizabeth) se casou com o príncipe Philip, o bolo pesava 500 libras.

É só sobremesa, certo? Ele desaparece com os convidados. Mas a Bridezilla de hoje pode ser capaz de justificar sua grande mistura, porque os bolos mais famosos se tornam imortais. Pedaços do bolo de casamento da Rainha Vitória & # 8217s de 167 anos estão em exibição no Castelo de Windsor este ano, por exemplo. E uma fatia do bolo de casamento de 1871 de sua filha, a princesa Louise, foi recentemente leiloada em uma feira de antiguidades por US $ 215. & # 160 Foi um casamento escandaloso, porque Louise se casou & # 8220 com um plebeu & # 8221, mas não havia nada comum sobre o bolo, que levou três meses para ser criado. & # 160 Embrulhado em papel manteiga, a fatia foi escondida em um & # 8220 gabinete de curiosidade & # 8221 por todos esses anos. Sua textura foi descrita como & # 8220firm. & # 8221


  • Pinturas de animais estranhos serão exibidas no Grant Museum of Zoology da University College London a partir de 16 de março.
  • Eles incluem a pintura de George Stubbs de um canguru com braços minúsculos
  • As obras de arte de animais criadas por pessoas que nunca viram a criatura em carne e osso, como rinocerontes e leões, também serão exibidas
  • Essas imagens foram usadas para trazer animais recém-descobertos ao público

Publicado: 12:25 BST, 2 de março de 2015 | Atualizado: 06:04 BST, 29 de março de 2015

Quando os exploradores ocidentais descobriram pela primeira vez que puseram os olhos em animais em locais distantes, os artistas tiveram a difícil tarefa de retratá-los a partir de suas descrições exóticas.

Agora, essas pinturas, incluindo uma de um rinoceronte escamoso com chifres nas costas, estão entre as obras em exibição em uma exposição intitulada "Criaturas estranhas".

O programa examinará a história das representações de animais e como a arte foi usada para trazer criaturas recém-descobertas aos olhos do público, especialmente antes dos dias dos zoológicos, da televisão e da internet.

As histórias dos pesquisadores incluem relatos medievais de criaturas exóticas e arte desde os tempos de exploração. Esta é uma cópia do rinoceronte de Dürer, feita em 1558, que foi baseada em uma descrição escrita. Ele tem uma armadura fantástica e um chifre de ombro estranho, e se tornou uma imagem duradoura dos rinocerontes para os europeus

As imagens, que foram escolhidas por paleontólogos, historiadores da ciência e da exploração e especialistas em arte, serão exibidas no Grant Museum of Zoology da University College London.

As histórias dos pesquisadores incluem relatos medievais de criaturas exóticas, arte desde os tempos de exploração e império, marinheiros que falsificaram espécimes de "dragão" manipulando peixes secos e até mesmo a taxidermia de artesanato de malha contemporânea.

Para os dragões, os marinheiros cortavam raios e patins de uma certa maneira e depois os secavam. Isso criou espécimes que foram então vendidos como dragões e anjos, disse ao MailOnline o gerente do Grant Museum, Jack Ashby, que fez a curadoria de Strange Creatures.

“Os naturalistas desenharam essas criaturas para gravuras em seus livros, que outros copiariam.


Rituais de casamento

Muitos dos itens e rituais que aconteciam durante a época de um casamento se tornaram tradições e são praticados hoje. A cerimônia de casamento, por exemplo, contém muitas das mesmas palavras usadas na Idade Média. Hoje, o homem e a mulher estão nos mesmos lados do altar em que estavam. A cerimônia de casamento de hoje também inclui a troca da aliança, e a aliança é colocada no quarto dedo, o mesmo dedo em que foi colocado na Idade Média. Além disso, um casal e suas famílias teriam uma grande festa após o casamento, o que ainda acontece na sociedade de hoje com a recepção do casamento.


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Arte da Renascença do Norte (1400-1600)

Esta palestra cobre os séculos XV e XVI no norte da Europa em áreas como França, Holanda (arte holandesa), Alemanha e Flandres (arte flamenga). Inclui obras pictóricas em uma variedade de mídias, incluindo pinturas, gravuras e tecidos. Algumas esculturas foram feitas no norte nesta época, mas não estão incluídas aqui porque a escultura no norte normalmente não é considerada formalmente transformacional como era no Renascimento italiano contemporâneo no sul.

o Renascença do Norte estilo pode ser descrito como o resultado muito singular de uma mistura de arte gótica tardia, ideias contemporâneas sobre observação e Reforma ideologia. A mente européia no Norte nesta época via seu Deus cristão em todos os aspectos do mundo, e assim o mundo era representado com um naturalismo exigente que beirava o espiritual.

Para enfatizar as revoluções radicais desse período, peça aos alunos que tentem evocar a visão de mundo de uma pessoa da Idade Média. O termo “Renascença” não é uma piada - a Europa realmente renasceu em uma nova mentalidade durante esse período.

Lembre os alunos do absolutismo do Igreja Católica (então, simplesmente a Igreja) por quase um milênio em toda a Europa. Você pode simplesmente evocar a imagem de uma catedral gótica gloriosa e alucinante elevando-se sobre a cidade medieval e consumindo grande parte de sua mão de obra e recursos. Havia apenas uma maneira aceita de acreditar, mas a Reforma Protestante questionou esse poder absoluto.

Enfatize que a experiência de imagens visuais de uma pessoa medieval também teria sido profundamente diferente da nossa. Somos inundados com imagens, digitais e impressas, ao passo que uma pessoa no século XV pode ter visto apenas imagens visuais nos retábulos de sua igreja ou pequenas xilogravuras em sua Bíblia.

Explique o termo & # 8220vernacular & # 8221 para trazer à tona o fato de que os textos religiosos nos quais as pessoas eram obrigadas a acreditar foram todos impressos em latim até a Reforma. Esse fato, combinado com a realidade do analfabetismo quase universal, significava que o conhecimento e sua disseminação eram controlados por poucos selecionados. A escrita sagrada foi vivenciada principalmente por meio da explicação de outra pessoa, de modo que a experiência de Deus por meio das escrituras de um crente sempre esteve em segunda mão. A vida nessas circunstâncias deve ter sido bastante opressiva, mas as pessoas não receberam nenhuma informação de que poderia haver outro modo de vida. A invenção do prensa de impressão por Johannes Gutenberg em 1448 proporcionaria um passo fundamental para tornar o conhecimento mais acessível.

Leituras de fundo

Albrecht Dürer, Quatro Cavaleiros do Apocalipse, 1498, Woodcut.

As leituras de fundo para os alunos podem incluir seu livro de pesquisa e o extenso Smarthistory seções sobre Flandres, a Reforma e o Renascimento do Norte. Para obter informações sobre a chamada “revolução da impressão”, consulte o Capítulo 16 do estudo clássico de Marshall McLuhan ou Elizabeth Eisenstein ou este resumo.

o Museu Metropolitano de ArteO artigo sobre pintura a óleo é conciso e completo. Rádio BBC& # 8216s programa de áudio de vinte minutos & # 8220Diet of Worms & # 8221 descreve os detalhes do momento histórico da Reforma Protestante.

Também há um BBC série de 2007 no Renascimento do Norte que oferece vídeos específicos de artistas de 60 minutos sobre Jan Van Eyck, Albrecht Dürer (nas partes 1, 2, 3 e 4), e Hieronymus Bosch (nas partes 1, 2, 3 e 4).

Sugestões de conteúdo

As qualidades revolucionárias da Renascença do Norte - e sua continuidade com o passado - podem ser exploradas em uma hora e quinze minutos por meio de uma variedade de exemplos, Incluindo:

  • & # 8220Purgatório & # 8221 e & # 8220 Homem anatômico & # 8221 de Les Très Riches Heures du Duc de Berry, França, 1413-6, manuscrito iluminado.
  • & # 8220Janeiro & # 8221 e & # 8220Fevereiro & # 8221, páginas do calendário de Les Très Riches Heures du Duc de Berry, França, 1413-6, manuscrito iluminado.
  • Atribuído a Robert Campin, Retábulo de Mérode, c. 1430, Óleo sobre painel de carvalho.
  • Jan Van Eyck, Retrato de casamento de Arnolfini, 1434, Óleo sobre painel de carvalho.
  • Jan Van Eyck, Homem em um turbante, 1433, Óleo no painel.
  • Hieronymous Bosch, Último Julgamento (aberto), 1504-8, Óleo no painel.
  • Tapeçaria de Unicórnio, 1495-1505, Lã, seda, prata e dourado.
  • Martin Schongauer, Tentação de Santo Antônio, 1480-90, Gravura.
  • Albrecht Dürer, Quatro Cavaleiros do Apocalipse, 1498, xilogravura, 15 1/2 x 11 1/8 ”.
  • Albrecht Dürer, Adão e Eva, 1504, Gravura, 9 7/8 x 7 7/8 ”.
  • Albrecht Dürer, Auto-retrato, 1500, Óleo no painel.
  • Albrecht Dürer, Melencolia I, 1504, Gravura.
  • Lucas Cranach, o Velho, Martinho Lutero, 1532, Óleo no painel.
  • Hans Holbein, Henry VIII, 1540, Óleo no painel.
  • Pieter Bruegel, o Velho, O retorno dos caçadores, 1565, Óleo no painel.
  • Pieter Bruegel, o Velho, Casamento camponês, 1567, Óleo no painel.

A influência do Estilo Gótico Internacional (pense em arquitetura alongada e pontiaguda com detalhes intrincados) se manifesta nas pinturas meticulosas e quase microscópicas do norte da Europa que se assemelham a iluminuras de manuscritos medievais. o Très Riches Heures é um exemplo tardio de um iluminado Livro de Horas (Texto devocional cristão) que remete tanto às tradições artísticas medievais quanto ao Renascimento. Por um lado, seu meio (item de luxo pintado à mão), seu patrono (o über-aristocrata, Duc de Berry) e seu formato, com foco nos ciclos da natureza e do cosmos (diagramas, horas e calendário), todos gritam & # 8220medieval. & # 8221 Você pode pedir aos alunos para ensaiarem os sinais de características típicas do estilo gótico que aprenderam nas aulas anteriores. Uma placa ilustrando & # 8220Homem anatômico& # 8221 revela os estranhos sistemas de semelhança entre a natureza, o corpo humano e os céus que governavam as crenças pseudo-científicas da Idade Média. Por outro lado, o manuscrito apresenta uma tentativa intuitiva de espaço de perspectiva e cenas da vida cotidiana, embora em uma sociedade ainda feudal. Pode ser divertido fazer com que os alunos apontem detalhes específicos, como colmeias, animais de estimação e peças de roupa das placas do calendário.

Os duques franceses da Borgonha controlaram uma área da atual Bélgica chamada Flandres de 1384 a 1477, quando passou para a Dinastia Habsburgo. Por fim, os espanhóis conquistaram a região em 1556. Você pode aproveitar esta oportunidade para abordar a formação das fronteiras nacionais na Europa - aquelas linhas geográficas contestadas, mas em grande parte imaginárias. Cenas da vida contemporânea também aparecem nas pinturas flamengas. O que é notável em pinturas como Retábulo de Mérode é que eles definem histórias bíblicas em casas e costumes contemporâneos. As ruas ao fundo são às vezes mais verossímeis do que as cenas religiosas encenadas em primeiro plano. Descreva a estranheza dessa imagem pedindo à classe que imagine encenar a cena da Anunciação em sua casa ou apartamento, com o Anjo Gabriel vestindo jeans e tênis. Esta pequena peça privada também demonstra o amor do Norte pelo simbolismo. Cada objeto de natureza morta na cena - desde o lírio branco que simboliza a pureza de Maria até a minúscula ratoeira no canto inferior direito que simboliza Cristo como uma armadilha para o diabo - tem um significado religioso. Você pode reservar um momento para revisar a diferença entre um ícone e um símbolo.

Jan Van Eyck é o mestre indiscutível da pintura flamenga. Seu assim chamado Retrato de casamento de Arnolfini está repleto de símbolos (laranjas, um espelho convexo, uma vela acesa) e os alunos podem adivinhar seus significados. O cachorrinho peludo até simboliza lealdade (pense: & # 8220Fido & # 8221 ou fidelidade). Mais uma vez, temos um cenário da vida doméstica contemporânea de classe média no norte da Europa. Como no Sul, uma nova economia mercantil urbana produziu uma classe média de patrocinadores da arte no Norte no século XV. Veja a atividade no final desta lição para mais informações sobre esta pintura.

O retrato (e mais tarde a natureza morta) desenvolveu-se como um tipo de pintura secular na Flandres. A artista contemporânea Nina Katchadourian brinca com o visual dos retratos flamengos em seus autorretratos improvisados ​​tirados em banheiros de aviões.

Jan Van Eyck & # 8217s Homem em um turbante presume-se que seja um autorretrato. A cor e as texturas impressionantes (pele, restolho, turbante de tecido) dessa pintura foram obtidas com tinta a óleo. Esse meio era superior à têmpera porque permitia aos artistas pintar lentamente, criando tons translúcidos e brilhantes, enquanto a têmpera secava rapidamente e era implacável. A comparação entre essas duas mídias é apresentada neste guia de estudo rápido.

A representação minuciosa do mundo facilitada pelas tintas a óleo às vezes tendia ao grotesco. Hieronymus Bosch e pintura do retábulo # 8217 Último Julgamento relembra cenas góticas do inferno e pretendia ser uma meditação sobre a loucura do pecado. Demora algum tempo para o espectador assimilar todos os castigos e demônios que Bosch inventou para o seu inferno. Você pode encontrar detalhes aqui. Você também pode apresentar o retábulo renascentista aqui e enfatizar o drama de sua função de abertura e fechamento.

Essa visão nórdica grotesca e / ou meticulosa cruzou a mídia. Não era apenas a tinta a óleo que permitia um excesso de detalhes simbólicos. o Tapeçaria de Unicórnio, um desenho de um artista feito em lã e seda por tecelões de guilda, é uma façanha de tecelagem têxtil e simbolismo religioso. Ele remete ao bestiário medieval, mas aguarda com expectativa os estudos botânicos da Renascença.

A gravura floresceu no Norte com a chegada da tecnologia de impressão na Europa, possivelmente do Oriente, onde já existia há séculos. Os estilos de pintura flamenga são refletidos em Martin Schongauer & # 8217s Tentação de Santo Antônio. Ele alcança um senso de espaço e textura com técnicas de gravação, como hachura cruzada. A gravação em placas de metal para impressão permitiu que os artistas criassem linhas finas sem reverter para uma imagem negativa, como faziam anteriormente ao esculpir xilogravuras. Albrecht Dürer's Quatro Cavaleiros do Apocalipse é um exemplo brilhante do meio de xilogravura e uma prova do talento do artista. Observe, no entanto, que as linhas são mais grossas do que nas gravuras e que a hachura segue em uma direção. The Museum of Modern Art & # 8217s tutorial divertido O que é uma impressão? explica xilogravura e gravura ácida, e você pode aprender sobre gravação aqui.

Se o século XIV tinha sido uma espécie de adolescência estranha e tateante para a arte e identidade europeias (para não mencionar a Peste Negra que matou um terço da população europeia), o século XV viu mudanças mais radicais em direção ao Renascimento ("renascimento") do pensamento clássico. Para a mente medieval, a fé triunfou sobre a razão, mas esse paradigma seria revertido no século XVI, quando os artistas registraram o mundo literalmente como o viam. No Norte, o legado clássico trouxe idealismo, combinado com o humanismo e o empirismo italianos - olhar o mundo de perto. Por exemplo, as figuras homônimas de Dürer & # 8217s Adão e Eva ergue-se em contrapposto com anatomia clássica aperfeiçoada (embora em uma floresta de aspecto alemão com animais simbólicos). Os alunos podem comparar esses números “antes da queda” ao par expulso de Masaccio e # 8217s. Dürer trouxe para casa elementos italianos de sua visita a Roma, e seus próprios pensamentos sobre a forma humana ideal estão expostos em seu Quatro livros sobre proporção humana.

Dürer’s Auto-retrato de 1500 retrata o artista frontalmente, como Cristo, e talvez possuidor de um talento sobrenatural. Ele reafirma essa identidade comparando-se com Melencolia I, o arquétipo intelectual torturado derivado de antigos textos médicos gregos sobre os quatro humores, ou tipos de personalidade. Isso traz à tona a mesma mudança que ocorreu no Renascimento italiano, de artista como artesão a artista como gênio. Discuta com sua classe o papel de um artista na sociedade de hoje com algumas das seguintes perguntas: O que um artista contemporâneo faz pela sociedade? Que tal um designer? Os artistas devem ser pagos ou respeitados mais do que os trabalhadores de outras profissões? De que classe social vem um artista - antes e agora? Um artista deve ganhar mais dinheiro do que um mestre artesão? Quem paga / deve pagar pela arte?

Com a Reforma Protestante (pense em “protesto e reforma”), os artistas do Norte, incluindo Dürer, perderam um grande patrono - a Igreja. A Igreja Protestante não encomendou imagens religiosas, em parte porque uma das queixas contra a Igreja Católica foi a venda de indulgências (documentos que perdoam as pessoas de seus pecados) em troca do patrocínio de projetos artísticos e arquitetônicos católicos. Martinho Lutero começou como monge e professor de teologia antes de desafiar o catolicismo. Ele conhecia o artista Lucas Cranach, o Velho, cujo estúdio pintou uma semelhança bastante prática com Lutero. Ele traduziu a Bíblia para o alemão, para que os leigos pudessem ler o texto por si próprios. O inglês John Wycliffe também o havia traduzido para a língua comum, para a Inglaterra protestante. Governantes como Henrique VIII, retratado na pintura de Hans Holbein, cansados ​​de dar poder ao Papa em Roma e, portanto, tinham um interesse político na Reforma.

Então, como era a pintura no Norte Protestante? Se você remover os anjos e divindades e o simbolismo religioso evidente das pinturas flamengas, deixando apenas as pequenas cenas da vida cotidiana e, em seguida, ampliá-las para o tamanho de uma paisagem, poderá obter algo que se parece com Pieter Bruegel & # 8217s Retorno dos Caçadores. Como Bosch, Bruegel compôs uma paisagem repleta de interesse e esperava que o observador demorasse a examiná-la. Este era um mundo crível, mas ainda idealizado, onde as pessoas trabalhavam duro, mas na maioria das vezes se davam bem. De Bruegel Casamento camponês expôs a vida da classe baixa com charme e humor. Você pode apontar como esse tipo de cena prepara o terreno para a pintura de naturezas mortas.

No final da aula.

Uma vez que os alunos estão na cabeça de um europeu do século XV, entendendo a falta de poder resultante do acesso restrito ao conhecimento, pode-se gerar uma discussão sobre a importância da alfabetização e da educação universal. Pergunte à classe quais revoluções tecnológicas impactaram a sociedade (tanto quanto a imprensa) durante sua vida. Ou o século vinte? Que mudanças de pensamento podem revolucionar a maneira como vivemos no futuro? Pode haver outro tipo de & # 8220Renaissance & # 8221?

Uma tarefa fácil para envolver os alunos de forma criativa pode pedir-lhes que criem um retábulo de papel dobrado usando seu filme ou romance favorito como assunto. Eles devem decidir a melhor forma de compor os painéis para contar a história sequencialmente. O exterior pode ser desenhado em tons de cinza e o interior em cores para causar impacto. Deve ser emocionante e tentar encapsular uma narrativa em algumas cenas importantes.

Você também pode atribuir essa atividade de Retrato de mistério usando Jan Van Eyck & # 8217s Retrato de casamento de Arnolfini:

As obras de arte costumam ser cercadas por algum grau de mistério. Os historiadores da arte usam todos os tipos de métodos para revelar a história contida neles: ciência, arquivos, relatos de testemunhas oculares, etc.

Leia a transcrição do Mistério do Casamento da Universidade Aberta e assista ao vídeo da Smarthistory sobre a pintura de Jan Van Eyck conhecida como Retrato de casamento de Arnolfini.

Quais são as questões / controvérsias que esta pintura levanta? (Lista dois.)

Pense como um detetive vivendo na época em que o retrato foi pintado e investigando essas questões. Escreva sobre como você pode rastrear algumas respostas a essas perguntas. Que tipo de documentos você pode encontrar como prova? Algum desses documentos está disponível hoje? Como você pode começar a investigar isso como historiador da arte hoje? (Você não precisa fazer nenhuma pesquisa real!)

Por exemplo, tem sido debatido que este é um retrato de casamento. Como detetive, você pode ter ido à igreja local para verificar os registros de casamento. Como um estudioso de hoje, você pode examinar os costumes de casamento dos flamengos no século XV que reconhece na pintura.

Sua resposta deve ser dada em uma ou duas páginas por escrito. Tente ser criativo!

Christina McCollum (autor) é candidato a doutorado no CUNY Graduate Center.

Jon Mann (editor) é Professor Adjunto no Lehman College, Colaborador Sênior no Artsy e contribuidor e editor de palestras em Recursos de Ensino de História da Arte e Pedagogia e Prática de História da Arte.

A AHTR agradece o financiamento da Samuel H. Kress Foundation e do CUNY Graduate Center.


Flores medievais

Rosas que faziam parte dos jardins de prazer medievais e eram usadas como um símbolo cristão de Jesus e seu sofrimento. Algumas rosas podem ser rastreadas até a Idade Média, como o Rosa gallica var. officinalis também conhecido como o Rosa do boticário. Presumivelmente, ele havia sido trazido para a Europa pelos cruzados que voltavam da Terra Santa. Era usado como remédio ou perfume e inicialmente cultivado nos mosteiros. É uma linda flor histórica que ficaria linda no cabelo de uma noiva ou nas mesas do seu salão.

Outra rosa conhecida é a Rosa Alba, ou o Rosa branca de iorque. Ambas as rosas foram adotadas como símbolos heráldicos pelas casas de York e Lanchester, que eram rivais. A rivalidade terminou quando Henry Tudor se tornou rei e uniu as duas casas junto com as duas rosas para fazer um novo símbolo. Talvez um simbolismo de casamento adequado, as duas rosas juntas para indicar unidade e paz.

Outras flores ou plantas que poderia mencionar são:
O lírio: frequentemente visto em pinturas religiosas ou em relação à França (flor de lis).
Íris, calêndula, margaridas, dedaleira, prímula, peônia e floco de neve.


Pesquisadores descobrem o retrato oculto na duquesa do século 15 e o livro de orações # 8217

Quando uma nobre chamada Yolande de Anjou se casou com Francisco I, o futuro duque da Bretanha (não confundir com o rei francês de mesmo nome), em 1431, sua mãe encomendou um devocional Livro de Horas que incluía uma pintura da jovem como presente de casamento. Depois que Yolande morreu, apenas nove anos depois, o duque se casou novamente & # 8212 e teve a imagem de sua primeira esposa substituída por uma pintura de sua nova esposa, Isabella Stewart da Escócia.

Como Sam Russell relata para a PA Media, o Museu Fitzwilliam da Universidade de Cambridge e # 8217s descobriu o encobrimento artístico depois de notar uma parte do retrato que era mais escura do que a pintura ao redor. A equipe então usou luz infravermelha para investigar.

& # 8220Isso & # 8217s quando o sub-desenho foi revelado, & # 8221 a co-curadora do museu Suzanne Reynolds disse à PA.

A imagem original mostrava Yolande ajoelhada em oração diante da Virgem Maria, relata Owen Jarus para Ciência Viva. A pintura refeita retrata Isabel na mesma posição, com Santa Catarina de Alexandria ao lado dela.

& # 8220 Com a morte de sua primeira esposa, Francis pode ter assumido o controle do livro de orações e ordenado que fosse personalizado para melhor se adequar a Isabella, & # 8221 Reynolds diz Ciência Viva. & # 8220É possível que Isabella tenha contribuído com alguma coisa. Por exemplo, a inclusão de Santa Catarina, que não estava lá antes, indica que Isabel pode ter tido uma devoção especial por esta santa. & # 8221

Além de adicionar a imagem de Isabella & # 8217s, os artistas contratados por Francis pintaram seu brasão nas bordas florais de muitas das páginas do livro & # 8217s. Por Jornal de Arte& # 8217s Maev Kennedy, cientistas da Fitzwilliam conseguiram distinguir as diferentes tintas usadas pelos dois grupos de artistas. Os ilustradores originais do livro, baseados em Angers, usaram tinta vermelha com chumbo, enquanto os artistas em Nantes que pintaram sobre o retrato usaram vermelho vermelhão para o vestido e brasões de Isabella & # 8217s.

Os pesquisadores usaram luz infravermelha para revelar a imagem pintada da primeira esposa do duque, Yolande de Anjou. (& # 169 The Fitzwilliam Museum, Cambridge)

Francis ordenou a alteração do livro & # 8217s logo após a morte de Yolande & # 8217s, antes de se casar com Isabella em 1442. Inicialmente, Isabella foi pintada usando um cocar Yolande & # 8217s, mas na época do casamento do casal & # 8217s, a imagem foi alterada novamente, dando ela uma diadema de ouro com joias para marcar o novo título de Francis como duque.

Mais tarde, o livro foi mais uma vez alterado, com a filha de Isabella & # 8217s, Margaret, adicionando outra página em que se descrevia ajoelhada diante da Virgem.

Reynolds descreve o livro, que ficou conhecido como o Horário de Isabella Stuart, como um dos devocionais medievais mais ricamente decorados. Ele contém mais de 500 imagens em miniatura. A mãe de Yolande, Yolande de Aragão, era uma patrona das artes que também possuía um espetacular Belles Heures de Jean de France, duque de Berry.

Reynold disse a PA que a repintura de um livro medieval foi & # 8220não única, mas incomum. & # 8221

& # 8220É & # 8217 uma descoberta muito empolgante & # 8221, diz ela. & # 8220Estes livros, de certa forma, são uma espécie de sítios arqueológicos e quando você começa a descobrir o que está sob essas imagens, isso realmente revela a história humana de como esses livros foram encomendados e depois passados ​​de uma pessoa para outra como a história desses diferentes casamentos e diferentes alianças dinásticas evoluíram. & # 8221

O livro faz parte da mais recente exposição de Fitzwilliam & # 8217s, & # 8220 The Human Touch: Making Art, Leaving Traces. & # 8221 De acordo com uma declaração, o show & # 8212 em vista até 1º de agosto & # 8212is & # 8220 uma jornada pelos trabalhos anatômicos do toque, sua força criativa e seu poder emocional, através da raiva, desejo e posse. & # 8221 Os cerca de 150 objetos incluídos na exposição incluem manuscritos medievais como o Livro de Horas, esculturas egípcias antigas e pinturas de artistas renomados que abrangem séculos e movimentos.

Sobre Livia Gershon

Livia Gershon é jornalista freelance residente em New Hampshire. Ela escreveu para o JSTOR Daily, o Daily Beast, o Boston Globe, HuffPost e Vice, entre outros.


Casamento camponês

Bruegel criou uma estrutura virtuosa em sua representação de uma celebração camponesa: a mesa de banquete comprida e lotada cria uma diagonal na qual todas as figuras da composição são orientadas. Do lado de fora, onde ainda é dia, outros hóspedes estão entrando na sala. Um dos tocadores de gaita de foles chama a atenção para a frente, onde olha com curiosidade a escassa comida que está sendo servida na hora. Dois ajudantes estão usando uma porta que foi retirada das dobradiças para carregar seus pratos. Um garçom que está servindo cerveja em jarras mais fáceis de manusear e uma criança comendo em um dos lados fecha o quadro da frente. Se seguirmos a figura na ponta da mesa que está passando os pratos para os convidados do casamento, somos conduzidos à verdadeira protagonista, a noiva. Ela está sentada em silêncio em frente a um pedaço de pano verde, que foi pendurado junto com uma coroa de papel em sua homenagem na parede de palha. De acordo com o costume flamengo, o noivo não tinha permissão para comparecer às celebrações até a noite, e a noiva não tinha permissão para comer ou falar antes. Infelizmente, nada se sabe sobre o comissionamento desta obra, que provavelmente é a mais famosa de Bruegel. Se soubéssemos mais, isso poderia ajudar a resolver a questão controversa de se a pintura se destina a ser uma caricatura ou transmitir uma mensagem moralizante. Os estudiosos de Bruegel em Viena concordam, no entanto, que a maioria das propostas interpretativas feitas até agora não conseguiram revelar o verdadeiro significado da pintura. Têm sido feitas tentativas, por exemplo, para conectar os sapatos grandes com a expressão alemã "auf großem Fuß leben" (para viver em grande estilo) ou para ver a coroa de duas peças da noiva como uma indicação de que ela já está grávida. Está muito mais de acordo com a concepção humanística de Bruegel de si mesmo ver a pintura como uma observação neutra sem intenção adicional. A escolha do tema não foi nada decisivamente novo na arte gráfica e na pintura holandesa, mas nunca antes ele havia sido abordado com tamanha densidade composicional e motívica e de tão benevolente distância.
© Cäcilia Bischoff, Obras-primas da Galeria de Imagens. Um breve guia do Museu Kunsthistorisches, Viena 2010


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