Em formação

Escultura Etrusca de Bronze


Os etruscos produziram artigos de bronze que remontam ao período Villanovan (1100-750 aC) e usaram o material para todos os tipos de objetos, mas são suas esculturas de figuras que se tornaram algumas das atrações principais em museus em todo o mundo. O bronze era um material altamente desejável em toda a antiguidade e derretia facilmente para reutilização, de modo que é ainda mais notável que obras tão finas como a Quimera de Arezzo e Marte de Todi tenham sobrevivido para dar testemunho hoje da requintada arte da primeira grande civilização da Itália.

Fabricar

A Etrúria teve a sorte de possuir ricos recursos de metal, especialmente cobre, ferro, chumbo e prata. Os primeiros etruscos fizeram um bom uso deles, e o bronze foi usado para fabricar uma ampla gama de bens, como ferramentas, armas, armaduras, moedas, joias, leques, lamparinas, queimadores de incenso, espelhos, tripés, pratos e utensílios de uso diário, caldeirões , pedaços de cavalo, baús e até carruagens. O bronze era martelado, cortado, fundido em moldes ou na técnica de cera perdida, gofrado, gravado e rebitado em uma ampla gama de técnicas.

A partir de meados do século VIII aC, os artistas etruscos se beneficiaram do contato com colonos gregos (especialmente eubeus) e comerciantes da Fenícia, Sardenha, Egito, Europa central e dos Bálcãs. Isso trouxe refinamentos tecnológicos na metalurgia e toda uma nova gama de idéias de arte.

Muitas cidades etruscas estabeleceram oficinas especializadas na produção de obras de bronze, incluindo Acquarossa, Cerveteri, Chiusi, Populonia, Tarquinia, Vulci, Volsinii e Volterra. Para dar uma ideia da escala de produção, os romanos teriam saqueado mais de 2.000 estátuas de bronze quando atacaram Volsinii (a moderna Orvieto) em 264 aC, derretendo-as para cunhagem.

Estatuetas

Estatuetas de bronze, muitas vezes com uma pequena base de pedra, eram uma forma comum de oferenda votiva em santuários e outros locais sagrados. Alguns, como os encontrados na Fonte Veneziana de Arretium, eram originalmente revestidos de folha de ouro. Uma figura antiga é uma representação em bronze martelado e fundido do século 6 aC de uma deusa segurando um pássaro da Tumba de Ísis em Vulci. Tem 34 cm de altura e originalmente tinha olhos embutidos e partes cobertas com folha de ouro. A figura está agora no British Museum London.

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A maioria das estatuetas são mulheres em longas vestes de chiton, homens nus como os gregos Kouroi, guerreiros armados e jovens nus. Às vezes, deuses eram apresentados, especialmente Hércules. Uma pose comum de estatuetas votivas é ter um braço levantado (talvez em um apelo) e segurando um objeto - normalmente uma romã, flores ou um alimento circular (provavelmente um bolo ou queijo). Bons exemplos de obras de bronze menores incluem uma estatueta do século 6 aC de um homem fazendo uma oferenda votiva da "Tumba da estatueta de bronze do portador da oferenda" (Tomba del Bronzetto di Offerente) em Populonia. Outro trabalho excelente é a estatueta do século 4 AEC de dois bois e um arado de Arretium.

Volterra se destacou por sua produção de distintas estatuetas de bronze, que são figuras humanas extremamente altas e esguias, com cabeças minúsculas. Eles são talvez uma relíquia de figuras muito anteriores cortadas em folha de bronze ou esculpidas em madeira e são curiosamente uma reminiscência de escultura de arte moderna. O exemplo mais famoso data do século 3 aC e é conhecido como o Ombra della Sera ('Sombra da Noite'). É uma representação de 57 cm de altura de um menino nu que está rigidamente em posição de sentido e com uma sugestão de sorriso. A figura está exposta no Museu Etrusco Guarnacci em Volterra.

Realismo sobre Estética

Obras de arte etruscas foram exportadas para todo o Mediterrâneo, e muitas foram descobertas em locais sagrados como Olympia, Delphi e Dodona. Escritores antigos, como Plínio, o Velho, elogiaram os etruscos por sua escultura de bronze, em particular:

Vemos o Apolo toscano, na biblioteca do templo de Augusto, a quinze metros de altura do dedo do pé; e resta saber se é mais notável pela qualidade do metal ou pela beleza do acabamento. (Keller, 232)

O historiador W. Keller explica o que é único na escultura de bronze etrusca em comparação com as obras de outras culturas contemporâneas:

Não era a maneira etrusca de se concentrar nas coisas externas, para almejar uma perfeição de forma idealizada e irreal. Suas obras dinâmicas e vitais pulsavam com vida. Sejam figuras de animais ou de seres humanos, elas não eram regulares, equilibradas ou ideais. Os artistas etruscos visavam acima de tudo trazer à tona a quintessência de seu tema, suas características individuais. Eles se esforçaram para expressar a força motriz interior, as profundezas inconscientes ... Os artistas etruscos procuraram apreender a personalidade de um homem, seu núcleo básico duro, e transmitir isso de forma realista, independentemente da estética. Foram suas obras que inspiraram a arte realista sóbria do retrato romano. (232-3)

Obras-primas etruscas

Quimera de Arezzo

A Quimera é um monstro cuspidor de fogo da mitologia grega que tem cabeça de leão, cauda de cobra e cabeça de cabra projetando-se de suas costas. A escultura, fundida em bronze na técnica de cera perdida, tem 78,5 cm de altura e 129 cm de comprimento. Ele data do século 5 ou 4 aC. A cauda é o resultado de uma restauração realizada no século 18 DC com base em um fragmento sobrevivente. Provavelmente fazia parte de uma composição de peças junto com o herói Belerofonte, que matou o monstro, e seu cavalo alado Pégaso. Há uma inscrição em uma perna que diz tinscvil ou 'presente para Tin', indicando que foi uma oferenda votiva ao deus Tin (também conhecido como Tinia), chefe do panteão etrusco. Milagrosamente, a escultura foi encontrada em uma vala em 1553 dC, quando novas fortificações estavam sendo erguidas em Arezzo por Cosimo de 'Medici, o grão-duque da Toscana. Atualmente está em exibição no Museu Arqueológico de Florença.

Marte de Todi

Datado do final do século 5 ou início do século 4 a.C., a impressionante figura quase em tamanho natural usa uma couraça e já segurou uma lança. Por outro lado, ele provavelmente estava derramando uma libação. A figura tem 142 cm de altura e carrega uma inscrição em Umbria (ahal trutite donum dede), que revela que foi dedicado por Ahal Trutitis, um celta. Acredita-se que tenha sido feito em Arretium, mesmo que tenha sido descoberto perto de Todi, onde foi ritualmente enterrado em uma trincheira forrada de pedra após ter sido atingido por um raio. Agora está em exibição nos Museus do Vaticano em Roma.

Minerva de Arezzo

Esta representação de Menerva, a deusa etrusca, que era o equivalente da deusa grega Atena e da deidade romana Minerva, foi feita em algum momento entre os séculos III e I AC. Descoberto em 1541 dC em um poço em Arezzo, está atualmente em exibição no Museu Arqueológico de Florença.

Retrato de um homem barbudo 'Brutus'

Esta cabeça de retrato (montada em um busto moderno) foi identificada há muito tempo com Brutus, primeiro cônsul de Roma, mas não há evidências dessa associação. A maioria dos historiadores de arte concorda que, por motivos estilísticos, é uma obra etrusca de cerca de 300 aC. Agora está em exibição nos Museus Capitolinos de Roma.

O Arringatore (Orador)

Esta figura em tamanho natural foi feita na primeira metade do século 1 aC e representa uma figura masculina de pé vestindo uma túnica de mangas curtas e toga com o braço estendido como se estivesse fazendo um discurso. Uma inscrição indica que foi oferecido em nome de um Aule Meteli (a quem pode ou não representar). A estátua foi descoberta perto do Lago Trasimene em 1566 dC e está atualmente em exibição no Museu Arqueológico de Florença.

Nota: a estátua conhecida como a loba Capitolina que está em exibição nos Museus Capitolinos de Roma foi considerada por muito tempo uma escultura etrusca, mas agora acredita-se que pertença ao século XI ou XII dC.


OS GRANDES ESCULTORES DE TUSCANOS DO SÉCULO XV V. Francesco Laurana, Antonio del Pollaiuolo, Andrea Riccio e Pisanello.

O estilo plano, sutil e refinado dos escultores florentinos do quattrocento nunca foi afetado. Eles eram delicados por convicção. Esse aspecto fica evidente nos retratos que outro escultor, desta vez não florentino, chamado Francesco Laurana, fez para as princesas da corte de Nápoles. Francesco Laurana (ca. 1430 - antes de 12 de março de 1502) era dálmata, de Vrana (hoje Zadar), e teve uma carreira cosmopolita em Nápoles, Sicília, Marselha e Avignon. Seus retratos das princesas napolitanas da Casa de Aragão (Eleanor, no Palazzo Abatellis em Palermo, e o busto de uma princesa não identificada, no Louvre) são obras-primas nas quais a síntese formal abre caminho ao longo do caminho da criação abstrata.

Busto de Eleanor de Aragão, mármore, de Francesco Laurana, ca. 1468-1471 (Galleria Regionale della Sicilia, Palazzo Abatellis, Palermo). Francesco Laurana, também arquiteto como seu irmão Luciano, construtor do Palácio Ducal de Urbino, foi também um excelente escultor de requintada e sóbria elegância. Chamado por Alfonso V para sua corte em Nápoles para trabalhar no arco triunfal de Castelnuovo, ele fez esses bustos das princesas aragonesas lá. Este busto em particular foi originalmente esculpido para a tumba de Eleanor & # 8217 e é considerado o epítome da escultura siciliana da era renascentista. É considerado iconograficamente semelhante ao & # 8220Bust of a Princess & # 8221 (Louvre, veja a imagem abaixo). Busto de uma princesa, mármore, de Francesco Laurana, ca.1468 (Museu do Louvre, Paris). Este busto forma um quadrado perfeito (44 x 44 cm). Embora o modelo não tenha sido identificado, ele costuma ser relacionado a um retrato póstumo da criança Eleanor de Aragão, com base em seu retrato funerário agora instalado na Galleria Nazionale della Sicilia, em Palermo.

Os decoradores florentinos não só executaram seus trabalhos em calcário e mármore, mas também em bronze, como Donatello e Verrocchio. Um deles, chamado Antonio del Pollaiuolo (17 de janeiro de 1429/1433 - 4 de fevereiro de 1498) mudou-se para Roma em 1484 com seu irmão Piero, também escultor e pintor, para esculpir os monumentos sepulcrais de Inocêncio VIII e Sisto IV. Pollaiuolo era um artista de extrema sensibilidade, um tanto doentio. O nervosismo que já era visível em algumas das obras de Donatello & # 8217 foi agravado nos anos de Pollaiuolo & # 8217, sua primeira formação foi como ourives, técnica à qual voltou na velhice quando fez o relevo de prata representando o Nascimento dos Batista, entre 1367-1483. Este altar, esculpido antes de sua viagem a Roma, foi destinado ao batistério de Florença.

Monumento de Sisto IV, bronze, de Antonio del Pollaiuolo, 1484-1493 (tesouro do porão de São Pedro e Basílica do séc. 8217, Vaticano). Esta tumba de Sisto IV foi encomendada pelo sobrinho de Sisto e # 8217, o cardeal Giuliano della Rovere (posteriormente Papa Júlio II). O túmulo é uma das grandes conquistas escultóricas do século XV, composição que manifesta o exagero nas características anatômicas das figuras típicas da arte de Pollaioulo & # 8217. O topo do monumento é uma representação realista de Sixtus IV deitado no estado. Em torno da figura reclinada do Papa usando tiara e paramentos pontifícios, e colocados em um nível ligeiramente inferior, estão representações das sete virtudes (Caridade, Esperança, Prudência, Fortaleza, Fé, Temperança e Justiça). A base côncava da tumba é decorada com dez painéis de baixo-relevo representando figuras femininas alegóricas que representam gramática, retórica, aritmética, geometria, música, pintura, astronomia, filosofia e teologia - as artes liberais clássicas, com a adição de pintura e teologia. as figuras são separadas por consoles de acanto. Cada figura incorpora o carvalho (Rovere& # 8221 em italiano), símbolo de Sixtus IV. Tumba do Papa Inocêncio VIII, bronze dourado, por Antonio del Pollaiuolo, 1492-1498 (Basílica de São Pedro e # 8217s, Vaticano). As comissões finais de Antonio del Pollaiuolo & # 8217 foram as tumbas papais de Sisto IV (ver foto anterior) e de seu sucessor Inocêncio VIII (foto acima). Este monumento funerário ficava originalmente na antiga Basílica de São Pedro e foi concluído pouco antes da morte de Pollaiuolo. O monumento é composto por duas partes: uma efígie reclinada de Inocêncio VIII deitada em sua tumba e uma imagem dele sentado em um trono e colocado acima. Nesta figura sentada, o papa abençoado segura a ponta de metal da lança que perfurou o lado de Cristo, uma das muitas relíquias sagradas alojadas em São Pedro & # 8217s. Durante séculos, a relíquia da Lança Sagrada foi mantida em Constantinopla. No entanto, em 1492, pouco antes de sua morte, o papa Inocêncio VIII o recebeu como um presente do sultão otomano Bayezid II. A figura do Papa sentado é circundada por relevos das quatro virtudes cardeais. No topo, uma pesada cornija é encimada por uma luneta com as três virtudes teológicas representadas em relevo (a Caridade é colocada dentro de uma mandorla). & # 8220Altar do batistério de Florença com Cenas da Vida do Batista: Nascimento & # 8221, ouro, de Antonio del Pollaiuolo (Museo dell & # 8217Opera del Duomo, Florença). Este relevo, representando o Nascimento do Batista, está localizado no lado esquerdo do Altar e oferece uma imagem fiel do gênero de um interior florentino contemporâneo. A cena se passa dentro de um quarto, no qual a cama é colocada no meio. No fundo, abaixo da janela, um servo traz refrescos, enquanto a criança batista cuidada por suas enfermeiras ocupa o primeiro plano. Enquanto isso, a Virgem entra na sala à direita acompanhada de sua assistente, figura que lembra fortemente a imagem de Flora na & # 8220Primavera & # 8221 de Botticelli (foto abaixo). A cena em primeiro plano representa a lavagem da criança e é realista em seus detalhes, por exemplo, ver a mulher sentindo a temperatura da água com a mão esquerda.

Em algumas das obras de Pollaiuolo & # 8217s, a expressão desempenhou um papel importante, especialmente em suas pequenas esculturas. Alguns estudiosos também atribuíram a Antonio del Pollaiuolo que esculpiu as figuras dos bebês gêmeos Rômulo e Remo, que foram acrescentadas no século 15 à antiga estátua da Loba Capitolina. Nesta época, vários artistas toscanos ou oriundos de diferentes regiões do centro e do norte da Itália, começaram a modelar obras de tamanho reduzido, dando origem a uma tradição que, no final do século XV e início do século XVI, teria seu representante mais importante no paduano Andrea Briosco de sobrenome Riccio (ca. 1470 - 1532), formado primeiro como ourives e depois autor de pequenas figuras de bronze, animais e nus modelados no estilo etrusco. Ele se destacou na criação de pequenos bronzes que capturaram o espírito da antiguidade sem recorrer à cópia. Riccio foi considerado o maior escultor de pequenos bronzes da Itália renascentista.

Algumas pequenas esculturas de Antonio del Pollaiuolo. Deixou: Hércules e Antaeus, bronze, 1470s, 45 cm de altura (Museo Nazionale del Bargello, Florença). A escultura retrata o episódio clássico de Hércules envolvido em uma luta corpo-a-corpo com o gigante Antaeus, que era invencível desde que alguma parte dele tocasse a terra, de onde tirou sua força. Assim, Hércules o segurou no ar até que ele enfraqueceu e morreu. Hércules é retratado com os braços em volta da cintura de Antaeus, esmagando o corpo do gigante contra o seu. Essas estatuetas de bronze eram freqüentemente patinadas para se assemelharem a bronzes antigos. Esta peça em particular demonstra o conhecimento de anatomia de Pollaiuolo (aprendido com a dissecação de cadáveres) e sua capacidade de representar a violência física e emocional. Este grupo era famoso na vida do próprio artista & # 8217: Leonardo o estudou e Michelangelo incluiu um esboço dele em uma folha ilustrando a fundição de bronze. Direito: Hercules, ca. 1475 (Museu Bode, Berlim). Pequenos bronzes de Andrea Riccio. Superior esquerdo: Pan, ca. 1510-1520, 36 cm de altura (Metropolitan Museum of Art, Nova York). Esta estatueta é inspirada em uma estátua de mármore antiga hoje nos Museus Capitolinos em Roma. Duccio & # 8217s aprenderam temas preferidos da clientela associados à mitologia clássica. Canto superior direito: The Shepherd Daphnis with Pipes, entre 1520-1530, altura de 21,3 cm (Walters Art Museum, Baltimore. Maryland). Este pequeno bronze é notável por seu naturalismo e lirismo. Esta estatueta representa um pastor do mundo mítico de Arcádia, onde sátiros, ninfas, deuses e humanos viviam juntos à vontade. Ele foi ensinado a tocar flauta oca pelo deus Pã e ​​se tornou o inventor da poesia pastoral. Inferior esquerdo: The Rothschild Lamp, ca. 1510-1520, 19 x 23 x 7 cm (Metropolitan Museum of Art, Nova York). Esta é uma lâmpada de óleo funcional. Em geral, a lâmpada assume a forma de um antigo navio ou galera fantasioso. Decorado com conchas, bucrânia, harpias *, guirlandas e outros motivos decorativos clássicos, o corpo de cada lâmpada também é decorado com frisos de putti. Canto inferior direito: Sátiro e Sátira, ca. 1510-1520 (Victoria and Albert Museum, Londres). Aqui, Riccio retrata a natureza luxuriosa dos sátiros, mas também seu relacionamento terno: Sátiro e Sátira sentam-se entrelaçados em uma base rasa, os braços em volta dos ombros um do outro, sua perna direita descansando sobre a esquerda dele, o Sátiro toca o pescoço de seu parceiro. com a ponta dos dedos, o polegar apoiado no queixo dela e os lábios franzidos como se fossem se beijar.

É natural que uma sociedade como a de Florença de meados do século XV, que sentiu a miragem da antiguidade com uma paixão verdadeiramente romântica, quisesse deixar uma marca ancestral em todas as suas manifestações artísticas. Essa ânsia de emular a arte antiga tornou-se algo tão arraigado e tão natural entre os italianos que então viviam na Toscana, que foi notada até nas formas de arte destinadas à burguesia mais simples e às pessoas comuns da cidade. Observa-se na cerâmica em que, fruto de uma abundante importação de peças valencianas, ficou evidente o domínio da técnica do verniz branco, que tanto se presta à ornamentação policromada. Graças ao uso desta técnica e de uma modelagem elegante, essas terracotas envernizadas e pintadas eram muitas vezes pequenas obras-primas que refletiam aquela sutil sensibilidade renascentista, sejam vasos e peças de louça ou inserções decorativas para fins devocionais ou pessoais.

Exemplos de cerâmica vidrada em estanho Maiolica do início da Renascença italiana. Deixou: Vaso azul e branco com decoração em folha de carvalho e cachorros, fabricado em Florença, ca. 1400-1450 (Museo Nazionale del Bargello, Florença). Direito: Louça de barro, chapa de Maiolica esmaltada de estanho, início do século 15, Itália (Metropolitan Museum of Art, Nova York).

Outra faceta típica desse desejo de reviver as formas da antiguidade foi traduzida na fabricação de medalhas. O primeiro e mais famoso medalhista foi um pintor e escultor natural de Verona, Antonio Pisano, o chamado Pisanello (ca. 1395 - ca. 1455), um artista requintado e ilustrador altamente qualificado de animais. Foi ele quem deu o tom dessa moda artística. A sua primeira medalha foi a que fez com a efígie de João VIII Paleólogo, em comemoração à sua chegada à Itália em 1438. O impacto desta medalha na arte foi significativo, influenciando tanto a escultura como a pintura. Posteriormente, os artistas da Renascença usaram o retrato de João de Pisanello & # 8217 quase como um tipo de estoque para representar figuras exóticas ou antigas. Isso pode ser visto na obra de Piero della Francesca, que usou a imagem de João em sua & # 8220Flagelação de Cristo & # 8221 e nos afrescos de Arezzo em A História da Verdadeira Cruz, e na obra de Benozzo Gozzoli que usou a imagem de João & # 8217s como um modelo para representar um dos magos em seus afrescos para a Capela dos Magos (veja as pequenas fotos abaixo).

Medalha do Imperador João VIII Paleólogo (anverso-esquerdo e reverso-direito), liga de cobre, por Pisanello, ca. 1438, 10 cm diam. (Münzkabinett, Staatliche Museen, Berlim). João VIII Paleólogo (1392-1448), imperador de Bizâncio, foi o último governante do antigo Império Romano. Ele foi convidado pelo Papa Eugênio IV para participar de um concílio em Ferrara, onde chegou com uma grande comitiva. Pisanello, que então trabalhava em Ferrara para Leonello d & # 8217Este, ficou fascinado com a aparência exótica da comitiva imperial, cujos detalhes ele registrou em desenhos e usou em pinturas. Pisanello foi contratado para produzir um objeto comemorativo desta visita histórica. Essa medalha, a primeira medalha de retrato da Renascença, tornou-se o tipo de todas as medalhas subsequentes. No anverso (à esquerda), Pisanello colocou John Paleologus de perfil seguindo exemplos antigos e medievais, e rodeado por uma inscrição de identificação em grego que diz & # 8220John, imperador e autocrata dos romanos, o Paleologus & # 8221, o aspecto mais marcante de o retrato é o chapéu do imperador: esta grande vestimenta ocupa cerca de metade do espaço pictórico do anverso. No verso (à direita), Palaeologus é novamente retratado de perfil, cavalgando em seu cavalo, enquanto para para orar em uma cruz à beira da estrada no topo de um pedestal. Atrás dele, montado em outro cavalo, está um pajem ou escudeiro visto de trás e encurtado. Inscrições em latim e grego nomeiam Pisanello como o fabricante de medalhas & # 8217s (& # 8220A obra do pintor Pisano & # 8221). A imagem de John Palaeologus de Pisanello (ver foto anterior) teve forte influência na arte. Suas características & # 8220exóticas & # 8221 foram reproduzidas quase inalteradas por artistas posteriores, incluindo Piero della Francesca (afrescos de A História da Cruz verdadeira à esquerda e Flagelação do centro de Cristo), bem como Benozzo Gozzoli (Procissão dos Magos afresco em Capela dos Magos - direita).

Inspiradas nas moedas romanas, com seus retratos de governantes e representações alegóricas no verso, as medalhas Pisanello & # 8217s comemoravam indivíduos ou eventos e funcionavam como presentes e lembranças. Pisanello determinou então, o estilo de tal cunhagem. Em geral, no anverso do disco de bronze, modelou em relevo o busto em perfil da personagem retratada, acompanhando-o com uma lenda latina e reservando para o reverso um símbolo ou alegoria. Entre suas medalhas mais famosas estão as que concedeu a Gianfrancesco Gonzaga, Marquês de Mântua, a de Filippo Maria Visconti, a Leonello d & # 8217Este, e a que concedeu em Nápoles a Alfonso V de Aragão.

Outras medalhas de Pisanello. Superior esquerdo: Medalha de Gianfrancesco Gonzaga, liga de cobre com pátina escura e camada escura de cera, ca. 1445-1447, 10 cm diâm. (Metropolitan Museum of Art, Nova York). Gianfrancesco Gonzaga (1395-1444) foi um capitão militar de sucesso e uma figura chave na consolidação do governo Gonzaga em Mântua. No anverso (à esquerda) da medalha, o marquês aparece opulentamente vestido com um grande chapéu. No verso (à direita) é mostrado seu papel como comandante militar, onde ele usa armadura de campanha, segura o bastão de comando e está montado em um poderoso cavalo. Um escudeiro anão, igualmente vestido para a guerra, é visto de costas. Meio esquerdo: Medalha de Filippo Maria Visconti, bronze fundido, ca. 1441, 10 cm diam. (Castello Sforzesco, Milão). Filippo Maria Visconti (1392-1447) foi o governante do ducado de Milão. Ele era recluso, com sobrepeso e caminhava com dificuldade. O verso da medalha mostra Visconti de perfil, usando seu chapéu de marca registrada. No reverso, a vigorosa figura montada, vestindo armadura de torneio e segurando uma lança de justa, evoca o ambiente cavalheiresco da corte, assim como seus companheiros montados. Inferior esquerdo: Medalha de Leonello d & # 8217Este, liga de cobre amarelado com pátina marrom escura, ca. 1441-1444, 7 cm diam. (Metropolitan Museum of Art, Nova York). Leonello d & # 8217Este (1407-1450) foi marquês de Ferrara e duque de Modena e Reggio Emilia. De acordo com fontes contemporâneas, ele era um intelectual sério, músico ávido, poeta e patrono ativo das artes. Em 1441, ele trouxe Pisanello à sua corte e encomendou-lhe uma série de pelo menos seis medalhas. Cada medalha traz o retrato do príncipe & # 8217s no anverso, pareado no reverso, com uma imagem obscura e complicada rica em simbolismo e em alusões à arte clássica e ao aprendizado. No verso desta medalha em particular, peças de armadura penduradas em ramos de oliveira flanqueiam a curiosa figura da criança de três faces, que geralmente é explicada como um emblema da Prudência, um atributo essencial do governante, que olha para o passado, o presente , e futuro. Direito: Medalha de Afonso de Aragão, Rei de Nápoles, bronze fundido, 1449 (Victoria and Albert Museum, Londres). Pisanello produziu várias medalhas de retratos comemorativos para Alphonso V de Aragão. O reverso representa uma águia majestosa empoleirada acima de um cervo morto e rodeada por aves de rapina menores, representando as virtudes de Alphonso como governante. Esta imagem é reforçada pela inscrição em latim & # 8220 Liberalidade imperial & # 8221.

Outras medalhas, não menos famosas, também foram atribuídas a Pisanello ou a seu seguidor, Mateo de & # 8217 Pasti, também de Verona, aluno de Donatello. Ele trabalhou na oficina de Donatello & # 8217s por muitos anos e concluiu as obras inacabadas de Donatello & # 8217s após sua morte em 1466. Mais tarde, Bertoldo se tornou o diretor e professor da academia informal para pintores e escultores que Lorenzo de & # 8217 Medici fundou em seu jardim. Ao mesmo tempo, Bertoldo era o guardião das coleções de antiguidades romanas ali. Embora Bertoldo não tenha sido um grande escultor, alguns dos escultores mais importantes de sua época frequentaram esta escola, entre eles Michelangelo. Outros medalhistas famosos foram Bertoldo di Giovanni, discípulo de Donatello, e Niccolò Fiorentino.

Medalhões de Sigismondo Pandolfo Malatesta e de sua última esposa Isotta, de Matteo de & # 8217 Pasti (Museo della città di Rimini, Itália). Matteo de & # 8217 Pasti (nascido em Verona) trabalhou em muitas encomendas reais, incluindo obras para Leonello d & # 8217Este e Sigismondo Pandolfo Malatesta. Matteo também colaborou com o arquiteto Leon Battista Alberti na concepção e construção do Tempio Malatestiano. Outro importante medalhista do início do Renascimento italiano. Superior esquerdo: Medalha de retrato de Mehmed II (anverso), bronze, de Bertoldo di Giovanni, ca. 1480, 9,4 cm diam. (Galeria Nacional de Arte, Washington). Mehmed II, comumente conhecido como Mehmed, o Conquistador, foi um sultão otomano de meados do século XV. Canto superior direito: Medalha Pazzi Cospiracy (anverso), bronze, de Bertoldo di Giovanni, 1478, 6,4 cm diam. (Galeria Nacional de Arte, Washington). Esta famosa medalha comemora Giuliano e Lorenzo de & # 8217 Medici após a conspiração Pazzi de 1478. O anverso retrata Lorenzo, que escapou. O retrato do busto é emoldurado pelo coro temporário de madeira de Brunelleschi e # 8217 encerrando o altar-mor da Basílica de Florença, enquanto a cena sob o busto retrata Lorenzo repelindo seus agressores e fugindo. Seu conteúdo narrativo é inédito em uma medalha. Meio esquerdo e direito: Medalha de John Kendal (anverso e reverso), bronze, de Niccolò Fiorentino, 1 480, 5,9 cm diam. (Metropolitan Museum of Art, Nova York). Inferior esquerdo e direito: Medalha de Lorenzo de & # 8217 Medici, & # 8216il Magnifico & # 8217, (anverso e reverso), bronze, por Niccolò Fiorentino, ca. 1490, 9 cm diam. (Metropolitan Museum of Art, Nova York). Nascido em uma família de ourives florentinos, Niccolò é colocado entre os principais medalhistas de retratos da Renascença italiana. Trabalhando em alto relevo, ele criou efígies de escala mais ousada e mais realistas.

Harpia: Na mitologia grega e romana, um harpia é uma personificação metade humana (geralmente feminina) e metade ave dos ventos de tempestade. Eles aparecem em poemas homéricos.

Medalha: (ou medalhão) Um pequeno objeto artístico portátil, constituído por um disco fino, normalmente de metal, que carrega um desenho, geralmente em ambos os lados. Esses designs normalmente têm algum tipo de propósito comemorativo. Eles podem ser usados, suspensos em roupas ou como joias.


Quimera de Arezzo, escultura etrusca de bronze (c.400 a.C.E) - ilustração de estoque

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Escultura etrusca de bronze solide d & # 39un prêtre. 3ème - 2ème siècle avant JC. 11 cm de alto.

Altura 11 cm sem suporte e 16,5 centímetros na montagem.

Proveniência: Coleção particular, C..C., Barcelona, ​​adquirida em Londres em 1960-1970.

CONDIÇÃO: Bom estado, ver fotos.

Magnífica figura votiva de bronze sólido de um jovem em pé, provavelmente um padre. Ele está usando um himation, um manto largo cobrindo seu ombro esquerdo e braço, caindo sobre seu peito nu para o lado direito de seus quadris e então cobrindo suas pernas. Ao contrário dos chlamys, esta vestimenta não é presa com um alfinete ou gravata. Os tornozelos e pés estão descobertos, então vemos que a figura não tem calçado de nenhum tipo.

Sua cabeça é adornada com um diadema, geralmente conhecido como estefano radiante e geralmente interpretado como uma coroa de folhas de hera ou bagas.

A estátua tem uma forma achatada, uma pose e anatomia que foi diretamente influenciada pelo estilo grego-helenístico. O cabelo é longo e ondulado, e o rosto lindamente expressivo.

Notas:
- A peça inclui certificado de autenticidade.
- A peça inclui Licença de Exportação Espanhola (Passaporte para a União Europeia).
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Tinia, o deus mais poderoso do panteão etrusco, freqüentemente aparece com um raio, o mesmo atributo associado a Zeus e Júpiter na religião e mito grego e romano. A mão esquerda estendida pode ter segurado um cetro. Embora a figura encontre vários paralelos entre outros bronzes etruscos do final dos anos 500 e início do século 400 aC, sua superfície é estranhamente áspera e manchada, talvez o resultado de um tratamento ou revestimento moderno para proteger ou melhorar sua aparência. Uma análise de 2001 da composição do bronze mostrou resultados consistentes com outras ligas etruscas antigas.


[JD1]It may seem obvious, but in the spirit of being super clear, I want to add “ancient” somewhere here—other ancient Etruscan alloys.


Etruscan Bronze Sculpture - History

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Tuscany is renowned to be the homeland of the Etruscan civilization that left many traces in all the region, as well as many works of art on display in several museums and sites - check out these post about 5 Etruscan artworks to see.

Below we listed 5 archeological areas that are out of the beaten track but definitely worth a visit for all archeology lovers eager to know more about the Etruscans.

Not too far from the center of the beautiful town of Sarteano, in the province of Siena, there is a large and very interesting necropolis called “Necropoli delle Pianacce”. The first tombs were discovered in 1954, but the most striking findings were discovered in 2003 when the archaeologists found the Tomb of the Infernal Chariot, Tomba della Quadriglia Infernale in Italian language.

Esse large tomb, dating back to 4th century BCE, is delightfully decorated with colorful paintings depicting a funeral parade in the main scene we see the Etruscan God Charun conducting a chariot with two lions and two griffons, followed by a scene representing a typical banquet and then a big and colorful snake with three heads.

Inside the tomb were found also valuable vases and other objects now preserved at the Archaeological Museum in Sarteano.

This large necropolis is included in the Archaeological Park of the Tufo, in the Maremma region, southern Tuscany. It is located nearby the enchanting town of Sovana and it counts several interesting Etruscan tombs, like the Tomba Ildebranda. It dates back to 3d century BCE and is one of the most important funeral monuments in this part of Tuscany. It is completely excavated into the tuff rock and includes two different parts: the external part that is a large monument with columns and the burial chamber. Archaeologists found evidences that the monument was finely decorated and colored.

In the necropolis there is also the impressive Tomb of the winged demons, ou Tomba dei Demoni Alati, that preserves a large statue of a figure lying on a deathbed in a niche overwatched by demons and lions, and that is a significant example of aedicule tomb.

The Lake of the Idols, or Lago degli Idoli, is a little lake on Mount Falterona within the National Park of Foreste Casentinesi. Isto é one of the most mysterious archaeological sites in Tuscany related to the Etruscan civilization in 1838, as a matter of fact, there was found by chance a bronze statuette of Hercules.

After the first finding they totally found about 650 different bronze statuettes - some of them are on display at the National Gallery in London and other international museums. Later on, between 2003 and 2007, archaeologists found other 200 bronze statuettes, that have both human and animal form, 9.000 Etruscan coins and about 4.000 fragments of iron arrows. Scholars think that the statuettes were religious offers to the Etruscan Gods. Most of these findings are on display at the Casentino Archaeological Museum located in Bibbiena.

On top of the hill of Frascole in the Mugello area, right in front of the Mount Falterona where the Idols Lake is, there is the Archaeological area of Frascole. The site preserves the ruins of a large Etruscan building with a rectangular plan and massive walls, that archaeologists suppose it was an important temple. On the other hand it was found the mane of the Velasna family written on a ceramic vase, so they also think it was a fortress.

In the area there were found also beautiful stone slabs that are funeral stele now on display at the Archaeological Museum in Dicomano. In the museum you see several finely decorated stone slabs, as well as Etruscan bronze statuettes and other valuable objects.

The Archaeological Museum of Chianciano Terme is a must-see site for Etruscan lovers. As a matter of fact the museum dedicated one large part of the exhibit to the reconstruction of several sepulchers with their burial goods that display objects in black ceramic, bronze figures and unique Etruscan canopies.

o canopies’ collection is one of the most important in the world because it includes funerary urns that have the form of men and women, as well as animals.


Sobre mim

I live life dangerously by ignoring the advice of Chuang Tzu: "Your life has a limit but knowledge has none. If you use what is limited to pursue what has no limit, you will be in danger". Badly spoiled by my wife, I spend mornings in sculpture studio, afternoons in record shop, evenings on the internet, weekends at the Palette and Chisel Academy and Art Institute of Chicago, and, the time spent in between, reading world literature. Am currently focused on the Middle East and South Asia.


Usil, the Etruscan god of the sun

Usil, the Etruscan god of the sun, is equated with the Greek and Roman Helios/Sol Invictus. Appliques depicting the god usually depict the deity with spread wings and a nimbus of rays surrounding his head which is also adorned with a diadem. On such a plaque obtained by the J. Paul Getty Museum, the figure merges into a broad plate decorated with undulating lines, suggesting the sea from which the sun emerges at daybreak and sinks at dusk.

"Ornamental reliefs such as this functioned as fittings on funeral carts and chariots, which often accompanied the burials of Etruria’s equestrian elite. Probably affixed to the sides of the vehicle, the winged god reflects the imagery of a celestial divinity driving the chariot of the sun across the sky, which was common in Greek and later Etruscan art. The earliest Usil plaque, in the Vatican Museums, was reportedly found at Roma Vecchia between 1760 and 1775 and was illustrated by Francesco Piranesi in 1778. In 1845, four similar plaques were discovered in the Tomb of the Quadriga at Vulci, which preserved the skeletons of horses. Among the appliqués held in the National Etruscan Museum of the Villa Giulia in Rome, the State Hermitage Museum in Saint Petersburg, and other museums, some may belong to that burial. Although displaying slight variations in size, facial features, form of the plate, and position of the rivets, all are associated with a preeminent bronze-casting workshop in Vulci." - J. Paul Getty Museum

Other depictions of the Etruscan god feature Usil rising out of the sea, with a fireball in either outstretched hand, on an engraved Etruscan bronze mirror in late Archaic style and with a halo on Classical style Etruscan mirrors.

While Usil is depicted most often as male, there are also feminine depictions equating Usil with another indigenous Etruscan goddess, Catha, which is often interpreted as having a solar character. Usil is also shown in close association with Thesan, the dawn goddess, something almost never seen with Helios and Eos.


Etruscan Bronze Sculpture - History

Chapter 85: Graphic Design in the Lost Civilization of Etruscan

Due to the fact that their literature was deliberately destroyed in the first centuries A.D., the origin of Etruscans is a mystery. They arrived in the ninth century BC on the west coast of Italy that is now Tuscany. They resembled the Phoenicians, and perhaps they were sailing in small groups by sea from Asia Minor. Like Phoenicians they were traders and sailors and founded towns along the coast.They spoke a language unlike any other known European tongue, one hard to read and surviving mostly as limited tomb inscriptions. Scholars profess to have lost interest in pursuing the search for origins, perhaps because past efforts have brought nothing but confused and contradictory speculation.

The "Chimera di Arezzo," a bronze statue in typical Etruscan style

Apart from being great navigators, Etruscans are, nonetheless, known for having been among the first to make use of metallurgy and to raise it to an art form. They were very skilled in carving ornaments out of gold, silver, and bronze. The ancient Romans called them the Tusci or Etrusci, which later changed into Tuscany and Etruria. The ancient Greek knew them as as Τυρρηνοὶ (Tyrrhēnoi), earlier Tyrsenoi, from which the Romans derived the names Tyrrhēni (Etruscans), Tyrrhēnia (Etruria), and Mare Tyrrhēnum (Tyrrhenian Sea). The Etruscans called themselves Rasenna, which was syncopated to Rasna or Raśna.

Some Greeks held that the Etruscans were a branch of the Pelasgians, aboriginal inhabitants of the Aegean region, others such as Virgil thought they came from Lydia, a kingdom of western Anatolia. Herodotus also ascribes the origin of the Etruscans to Lydia, and reports that the ancestors of the Etruscans were forced to emigrate from Lydia because of 18 years of hard times. The Lydians built ships and half of the population left under the leadership of Tyrrhenus, the son of the king of Lydia.

The Pelasgians may have been the Sea People who around 1200 B.C. invaded the Egyptian Empire. The Greek historian, Dionysius of Halicarnassus, in his Early History of Rome dismissed these theories and argued that the Etruscan were the aboriginal inhabitants of their area. The question became more intriguing when, in the nineteenth century, it was discovered that most of the languages of Europe belonged to one big language family called Indo-European but Etruscan was not one of them.

Sarcophagus from Cerveteri 520 BC (Etruscan) Rome, Villa Giulia

While some 13,000 Etruscan texts exist, most of these are very short, thus almost all the information about their culture is derived from their tombs, as they were obsessed with elaborate burials. The ancient Etruscans prepared extensively for the afterlife, furnishing elegant tombs ordering handsome coffins or sarcophagi, and performing meticulous and sophisticated rituals. Many Etruscan sites, primarily cemeteries and sanctuaries, have been excavated, notably at Veii, Cerveteri, Tarquinia, Vulci, and Vetulonia.

Numerous Etruscan tomb paintings portray in vivid color many different scenes of life, death, and myth. Their interest in elaborate burials has led researchers to suppose that they may have had an underlying belief, similar to the Egyptians that a part of the soul remained with the body, or at least that the body was important for the afterlife.The passion for performing rituals such as the funereal liturgy of the Phersu and other ceremonial games of skill was very widespread among the Etruscans.

According to Dr. Annette Rathje of the University of Copenhagen excavations at a site called Murlo, on a hill south of Siena, were turning up increasing evidence of large-scale settlement and monumental art, including bold friezes and some of the earliest architectural terra cottas in Italy. The ancient city had an impressive acropolis and an enormous building, the largest in Italy before the sixth century B.C., that appears to have consisted of many smaller structures around a courtyard. Statues of gods or dignitaries and mythical beasts adorned the place.

New research shows Etruscans were a conduit for the introduction of Greek culture and its pantheon of gods to the Romans. The Etruscans developed a version of the Greek alphabet, a step that influenced Roman letters and thereby northern Europe's. They built the first cities in Italy, when the hills of Rome stood barren of promise, and their influence shows up in later Roman works of architecture and engineering.

Romulus and Remus (the mythical founders of Rome) gives an idea of the great skill with which Etruscan artists worked.

The Etruscan culture developed from a prehistoric civilization known as Villanovan (ca. 900� B.C.). By the beginning of the seventh century B.C., the Etruscans occupied the central region of Italy between the Arno and Tiber rivers, and eventually settled as far north as the Po River valley and as far south as Campania. Around 540 BC, the Battle of Alalia led to a new distribution of power in the western Mediterranean Sea. Though the battle had no clear winner, Carthage managed to expand its sphere of influence at the expense of the Greeks, and Etruria saw itself relegated to the northern Tyrrhenian Sea with full ownership of Corsica. From the first half of the 5th century BC, the new international political situation meant the beginning of the Etruscan decline after losing their southern provinces.

In 480 BC, Etruria's ally Carthage was defeated by a coalition of Magna Graecia cities led by Syracuse. A few years later, in 474, Syracuse's tyrant Hiero defeated the Etruscans at the Battle of Cumae. Etruria's influence over the cities of Latium and Campania weakened, and it was taken over by Romans and Samnites. In the 4th century, Etruria saw a Gallic invasion end its influence over the Po valley and the Adriatic coast. Meanwhile, Rome had started annexing Etruscan cities. This led to the loss of the Northern Etruscan provinces. Etruria was conquered by Rome in the 3rd century BC.

Even after they were subjugated and then annexed by the Roman Republic, the Etruscans and their influence never entirely disappeared. They were assimilated. They lost their language to Latin, and yet their legacy has endured in surprising ways, beyond any part they had in spreading the Greek alphabet. In fact, Romans owed more than they ever admitted to the Etruscans. Their achievements in engineering impacted Roman aqueducts and basilicas. The tombs of the emperors Augustus and Hadrian deliberately imitated Etruscan ones from seven centuries before. The artists of the Renaissance also built upon Etruscan foundations, as seen in the palaces of Florence, the sculpture of Pisa and the painting of Siena. Painting frescoes on wet plaster had been an Etruscan talent.

The Tomb of The Augurs
The two characters with their hands extended upwards at each side of the door are generally interpreted as augurs, but others interpret them as relatives of the deceased. The name written on the wall is Apastanasar which contains the root apa (father).

Two wrestlers are depicted, possibly part of the funerary games.

This scene is also probably part of the funerary games, depicting a masked figure holding a rope in his hand. The rope is attached to the collar of a dog. When the Phersu (masked person) pulls on the rope, a nail on the dog's collar bites into its neck, enraging the animal and causing it to attack a tethered man, possibly a condemned criminal.

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The Tomb of the Bulls, Tomba dei Tori, Approximately 560 BC

The main subjects on the three parts of this chariot box perhaps refer to the life of Achilles. In the center, Achilles receives armor from Thetis, his mother. On one side, he engages in combat with another hero, possibly Memnon on the other side, he appears in a chariot drawn by winged horses. While the style and subject of the reliefs look to Greek art and myth, the treatment of the scenes is thoroughly Etruscan.

The Etruscans were interested in sea creatures and birds. On one side the shoulder panel of this jar shows two mermen, on the other two belligerent dogs. Below, six metopes deployed fairly regularly around the circumference contain water birds, each somewhat different.

This colorful and unusual work represents one enterprising Etruscan artist's response to an originally Greek shape and type of decoration. The form of the amphora, the inclusion of a lid, the two-part handles, the pendant lotus buds in the shoulder panels, the rays at the base of the body, and the echinus foot derive from Athenian prototypes of the mid-sixth century B.C.

On this black-figure hydria, the Greek hero Herakles battles the Lernean Hydra while a large crab nips at his foot. His companion Iolaos attacks from the other side, cutting off one of the monster's heads with a harpe or short curved sword. Two sphinxes flank the handle on the back of the vessel, and floral decoration covers the rest of the vase: an ivy tendril on the shoulder and a palmette and lotus frieze on the lower body.

This hydria is one of a small group of painted vases produced at Caere in Etruria. All these vases appear to come from one workshop, which may have had two artists. Caeretan hydriai display many of the basic elements of Greek vase-painting reinterpreted for an Etruscan market, using a more vivid range of colors and emphasizing the importance of floral ornament in the decoration. They are unusual in that the artist used a template for the floral decoration, a technique not otherwise known in Greek vase-painting.


CRISTOFANI M., I bronzi degli Etruschi, Novara, 1985, pp. 278-279.

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Assista o vídeo: Figura de Ofrendante etrusco de bronce (Janeiro 2022).